Minimalistyczny, ale przerażający finał „Don Giovanniego”Ryszard Termine W produkcji operowej toczącą się dziś kontrowersją jest pytanie o intencje twórcy, czyli o to, jak kompozytor mógł oczekiwać, że jego dzieło będzie wyglądało i brzmiało na scenie.
Na przykład, jaki rodzaj głosu miał na myśli Bizet w tytułowej roli Carmen , sopran czy mezzosopran? Ile improwizacji na podstawie zapisanych notatek Bellini spodziewał się w swoim? Reguła ? I czy Wagner rozpoznałby jego? Parsifal pod wiaduktem autostrady w postapokaliptycznej Ameryce?
Fakt, że te debaty opierają się w dużej mierze na domysłach, nie zniechęca antagonistów. W rzeczywistości istnieje nawet grupa na Facebooku, która sprzeciwia się tak zwanym współczesnym produkcjom operowym i oczywiście inna grupa jest za. Jeden temat jednak nie jest tak często poruszany: rzeczywista wielkość teatru, w którym wystawiana jest opera.
Na przykład Metropolitan Opera, z około 3800 miejscami, jest znacznie większą przestrzenią, niż wyobrażaliby sobie tego najwięksi kompozytorzy operowi. A jednak Met wykonuje utwory podobne do Mozarta Don Giovanni , kameralny utwór, którego premiera odbyła się w 1787 roku w praskim Teatrze Estates o pojemności około 650 – mniej więcej tyle, co najmniejsze nowojorskie domy na Broadwayu.
Więc szansa na zobaczenie Don Giovanni w teatrze bliższym wielkościom osiedli nie tylko nadaje atmosferę autentyczności, ale, jak pokazała prezentacja opery w Mostly Mozart z zeszłego tygodnia, może być rewelacyjna. Ta inscenizacja prowadzona i wyreżyserowana przez Ivána Fischera w Rose Theatre w Jazz w Lincoln Center (pojemność 1100) osiągnęła łatwy, duży nastrój oper Mozarta, których prawie nigdy nie osiągają.
Elementem wizualnym tej produkcji była sama prostota: pustka czarnych zasłon otaczała kilka podestów scenicznych. Wewnątrz tej neutralnej przestrzeni korpus śpiewaków i tancerzy w marmurowo-białym kolorze sugerował zarówno architekturę, jak i dodatki w tle. W jednym szczególnie uroczym momencie plątanina namoczonych wieśniaczek z gracją wstała i ustawiła się w altanie, za którą mogła się schować nerwowa panna młoda Zerlina.
Oczywiście skupiono się na śpiewakach solowych, którzy w przeważającej części dawali wrażliwe, szczegółowe występy. Najlepszy ze wszystkich był Christopher Maltman, jego wyraźny liryczny baryton brzmiał zarówno rozkazująco, jak i merkuryjnie, idealnie pasujący do jego eleganckiej postawy scenicznej. Jako zgwałcona Donna Anna, sopranistka Laura Aikin może i nie miała najdoskonalszej stalowej siły, ale wykazała się precyzyjną wirtuozerią w piekielnie trudnej arii Non mi reż w drugim akcie.
Jeśli pozostali śpiewacy nie byli do końca rozgwieżdżeni, tworzyli zwarty, energiczny zespół. I chociaż gra Budapest Festival Orchestra nie była dosłownie tym, czego chciałby Mozart – XVIII-wieczny kompozytor z pewnością uniósłby brew na nowoczesne vibrato smyczków – myślę, że śmiałby się z zachwytu z nienagannego ataku i słodkiego tonu grupy.
