Stevie Wonder występuje w Rainbow Theatre w Londynie, 28 stycznia 1974. (Zdjęcie: Michael Putland/Getty Images). Stevie Wonder wyrusza w krótką trasę, która zabierze go do Madison Square Garden 6 listopada, gdzie wykona swój przełomowy klasyczny album, Pieśni w kluczu życia , od początku do końca.
Album jest emocjonalnym molochem, niezmiernie hojnym darem serca geniusza i arcydziełem pod każdym względem. Mr. Wonder wyruszył, aby pokryć zakres sugerowany przez tytuł albumu, nie mniej niż klucz do życia. A jeśli nie udało mu się to wszystko osiągnąć, jego cel był prawdziwy. Była to kulminacja serii czterech albumów (zdumiewająco wydanej w ciągu zaledwie 39 miesięcy) o nieprzerwanej doskonałości, która nie miała sobie równych poza Mt. Rushmore gigantów muzyki popularnej z lat 60. i 70. – Beatlesów, Rolling Stonesów, Boba Dylana i może Van Morrisona. W trakcie obszernego albumu, dwóch pełnych płyt długogrających i 7-calowej EP-ki z czterema utworami, nie popełnia błędu. Od kompozycji muzycznych, przez teksty, po zadziwiające występy i znakomitą produkcję, należy zaliczyć ją do najwspanialszych płyt wszechczasów. Jeśli po prostu ocenić jako album występów wokalnych, nie mogę wymyślić nic lepszego. Oto jeden z najwybitniejszych śpiewaków XX i XXI wieku w pełni swoich możliwości, przykuwający naszą uwagę 22 piosenkami rozłożonymi na trzech płytach winylowych.
Sprzedaż detaliczna za 13,98 dolarów w 1976 roku była gigantycznym hitem, debiutując na pierwszym miejscu listy Billboard Pop Albums. Spędził 13 tygodni na pierwszym miejscu i 35 tygodni w Top 10, co dało cztery single Billboard Top 40, z których dwa znalazły się na pierwszym miejscu. Był to pierwszy album wydany pod oszałamiającą siedmioletnią gwarancją Mr. Wondera, za 37 milionów dolarów. kontrakt z Motown Records.
Miałem 10 lat, kiedy wyszedł i po tym, jak zostałem porwany przez nieubłagany rytm singla, I Wish, pomaszerowałem prosto do sklepu z płytami i wrzuciłem pieniądze z kieszonkowego. To był pierwszy album, który kupiłem sam. Znałem muzykę Stevie Wondera już z radia. Funkowe single, takie jak Superstition, Higher Ground i Boogie on Reggae Women, były wielkimi hitami. Jako najstarszy dzieciak w mojej rodzinie na Long Island, radio AM było moim głównym kontaktem z muzyką na początku lat siedemdziesiątych. Zgromadziłem już kolekcję Top 40 singli, które kupiłem, a także kilka kluczowych płyt długogrających i singli z lat 60., które odziedziczyłem po sąsiadach. Ale I Wish, piosenka 26-letniego mężczyzny, który tęsknił za czasem, w którym był w moim wieku, skłoniła mnie do zaangażowania się w pierwszą znaczącą inwestycję muzyczną. Chciałem tego rekordu, tak jak większość moich znajomych pragnęła 10-biegowego roweru.
Myślę, że gdybym był dorosły i kupił płytę na podstawie ostrego R&B, słyszanego w I Wish, początkowo byłbym zawiedziony tym, jak album się otwiera, enigmatycznie z łagodną nutą. Jednak jako dziecko miałem otwarty umysł. W rzeczywistości, chociaż uwielbiałem te pełne funku single, byłem też wielkim fanem gładkich ballad Stevie'go. You Are the Sunshine of My Life i My Cherie Amour również do mnie przemówiły. Ta zmiana w refrenie My Cherie Amour (Oh Cherie Amour, śliczna mała, którą uwielbiam…) w szczególności ugięła mi kolana.
Oto niektóre z moich ulubionych utworów, najbardziej reprezentatywne dla albumu i te, na których wykonanie na żywo najbardziej czekam:
Miłość ' s potrzebują dziś miłości
Pieśni w kluczu życia rozpoczyna się bogatym zespołem męskich głosów a cappella, wprowadzającym Love's in Need of Love Today, który może być warstwowymi dogrywkami Stevie. Trudno powiedzieć. Podczas gdy do albumu dołączono 24-stronicową broszurę z tekstami i notatkami, z obszerną listą pracowników – i kartą z podziękowaniami dla wszystkich, od Kareema Abdula Jabaara, przez Davida Bowiego, aż do Franka Zappy – lista autorów co w każdej piosence jest tak przypadkowe jak Rolling Stones Wygnanie na głównej ulicy . Jednak Mr. Wonder sam gra na wielu instrumentach na albumie, w tym na perkusji, i jest otoczony przez zespół, który stanowi trzon albumu. Znakomity basista, Nathan Watts, wyróżnia się na tle imponującej grupy i do dziś pozostaje stałym partnerem Mr. Wondera.
Nie chcesz, żeby to się skończyło. Zaskakuje. Myślałeś, że facet dopiero się rozgrzewa. On już śpiewa każdego, kogo kiedykolwiek słyszałeś. |
Pan Wonder wchodzi cicho, Dzień dobry lub wieczorem przyjaciele / Oto twój przyjacielski spiker. Od razu dostrzegamy niektóre mocne strony i być może jedną z niewielu wad w rekordzie. Dostajemy ciepło i odrobinę humoru, które pozostają motywami przewodnimi całej płyty. Ale mamy też trochę niezgrabnej składni, która towarzyszy tekstowi piosenek. Stevie jest jednym z tych autorów piosenek, którzy zrobią koniec – czasami bardziej jak podwójne odwrócenie pcheł – aby dokończyć rym. Pod tym względem jest mniej podobny do Cole'a Portera, a bardziej do Boba Dylana i kto może na to narzekać? Podobnie jak pan Dylan, słowa są podporządkowane mistrzowskiemu rytmowi. Tak konsekwentnie, że Mr. Wonder przemyśla akcenty sylabiczne i pozostawia nas kręcących się na rymach, wydaje się, że jest to zgodne z projektem i stało się swego rodzaju sympatycznym znakiem towarowym.
Przesłanie piosenki jest proste. The Beatles śpiewali, że wszystko, czego potrzebujesz, to miłość. Dziesięć lat później, oto straszne ostrzeżenie, że miłość samo potrzebuje miłości. W głosie prezentera informacyjnego stanowi doskonałe wprowadzenie do albumu, który oprócz intymnych momentów oferuje szerokokątny obraz stanu świata w połowie lat 70., temat tak szeroko ambitny, jak szeroki zakres stylów muzycznych, które zawiera.
Dźwięki, ciepło samego utworu wciągają. Poddajesz się całościowemu dźwiękowi, bogatemu i wyrazistemu. Ale wtedy dostajesz też wszystkie te cukierki do uszu, jak warstwowa praca Briana Wilsona dla Beach Boys. To klasyczna płyta słuchawkowa, z perfekcyjnie umieszczoną perkusją i przemyślanymi dogrywkami.
Piosenka pozostaje dość powściągliwa przez większość aranżacji. Ale tak jak w przypadku wielu piosenek na albumie, Mr. Wonder dodaje improwizowanego wampira do powtarzającego się refrenu w stylu gospel w stylu call-and-response. Jego głos zaczyna wspinać się w oktawach. Aranżacja slow-burn nabiera nowej warstwy podniecenia, a potem kolejnej. Zanim się zorientujesz, jesteś w tym całkowicie pochłonięty. Zaufanie, które okazałeś Stevie Wonderowi, kiedy poszedłeś i położyłeś 14 $ na LP w oparciu o I Wish, okazało się dobrze ugruntowane.
Miłość potrzebuje miłości Dzisiaj trwa ponad siedem minut. I nie chcesz, żeby to się skończyło. Zaskakuje. Myślałeś, że facet dopiero się rozgrzewa. On już śpiewa każdego, kogo kiedykolwiek słyszałeś. Natchniony śpiew. Technicznie genialny śpiew.
Wiejska Ziemia Getta
The Beatles mają taki sam wpływ na album, jak Sly Stone, Curtis Mayfield i Marvin Gaye. I to nie tylko w zakresie i ambicji, ale także pod względem muzycznym. Rzeczywiście, Sir Duke brzmi tak, jakby mógł ją napisać Paul McCartney, a Hare Krishnas, którzy śpiewają w piosence „Pastime Paradise”, to pomysł z podręcznika George'a Harrisona. Village Ghetto Land to coś w rodzaju syntezatora z lat 70., Eleanor Rigby.
Herbie Hancock, który grał w piosence As, mówi, że podziwiał orkiestrowe użycie syntezatorów przez Stevie… Stevie nie wpada w pułapkę, którą ja robię, próbując powielać dźwięki akustycznych strun. Stevie pozwala syntezatorom być tym, czym są, czymś, co nie jest akustyczne. Te partie, pochodzące z syntezatora ARP, brzmią na tyle jak smyczki, by dać Ci do zrozumienia, że faux menuet vibe jest satyryczny, jak wycieczka na palcach po typowym amerykańskim getcie miejskim z lat 70. XX wieku. Tekst został napisany przez Gary'ego Byrda, który spędził nad nim miesiące tylko po to, by Wonder zadzwonił do niego podczas nagrywania z pilną potrzebą nowej zwrotki, którą Mr. Byrd dostarczył w około 20 minut. Piosenka jest skierowana do pozbawionych kontaktu i przypuszczalnie białych współobywateli, którzy odwracają wzrok, a nawet dyskredytują biednych. Niektórzy mówią, że powinniśmy się cieszyć z tego, co mamy”. Tymczasem rodziny jedzą psią karmę, podczas gdy politycy śmieją się i piją, pijani na wszelkie żądania.
Pan Wonder zabiera nas z kursu wyznaczonego przez pierwsze dwie piosenki. Miłość w potrzebie miłości Dzisiaj zawiera ostrzeżenie, ale ostatecznie jest to przesłanie nadziei, że możemy odwrócić siłę złych planów. Wspaniała, powolna funkowa piosenka Have a Talk with God oferuje jedno źródło tej nadziei dzięki wierze oddania. Village Ghetto Land ma jednak coś do zaoferowania. To nie jest osobisty akt oskarżenia w stylu Dylana; Pan Wonder i pan Byrd przedstawiają jedynie realistyczną litanię na temat tego, jak wygląda życie w amerykańskich gettach miejskich podczas szczególnie niskiego odpływu w miastach tego kraju. Pyta po prostu, jeśli nie naiwnie, powiedz mi, czy byłbyś szczęśliwy w wiejskiej krainie getta?
sir książę
Utwór prowadzący do Sir Duke'a, treningu fusion Contusion, opowiadał o nowym kierunku, jaki obrał jazz w latach 70-tych. Sir Duke to jednak bezpośredni hołd dla pionierów, o którym czas nie pozwoli nam zapomnieć. Pan Wonder zaczął wydawać album w czasie śmierci Duke'a Ellingtona w 1974 roku. Piosenka była drugim singlem z albumu i drugim przebojem na pierwszym miejscu.
Uderzenie instrumentów dętych otwiera piosenkę riffem, który służy jako pierwszy z trzech głównych hitów. Jako popowo-jazzowy numer sięga początków ery big bandów, z żwawym gorącym rytmem jazzowym z lat 30., czymś na wzór Diminuendo in Blue, a nie seksownym, ospałym swingiem słyszanym np. Jeep's Blues, z których oba można usłyszeć na rekordzie wielkiego powrotu Ellingtona, Mieszkam w Newport 1956 . Powrotna atmosfera i wznosząca się melodia refrenu, którą można poczuć na całej powierzchni (drugi chwyt), ma napisane przez Paul Your Mother Should Know McCartney. Ale trzeci fragment utworu, w którym pojawiają się załamania i synkopowane linie basu, instrumentów dętych, klawiszy i gitar, również wskazuje na współczesny wpływ, jaki Earth, Wind & Fire wywarły na Mr. Wondera. W czasie nagrywania zespół ten osiągał swój zenit dzięki musującym, popowym nagraniom R&B z tubą, takimi jak to. Sir Duke to niezwykła aranżacja zespołowa, co jeszcze bardziej zdumiewa, jak Nathan Watts wyróżnia się oszałamiającą partią basu. Jeśli uważasz, że usłyszałeś już wystarczająco piosenkę, spróbuj posłuchać jeszcze raz przez słuchawki, koncentrując się na basie.
Dostajemy również więcej niż odrobinę filozofii daltonizmu Stevie'go. To nie jest jakaś pedantyczna lekcja na temat znaczenia wkładu Afroamerykanów w amerykańską muzykę, mającego na celu wywołanie poczucia winy (jak być może Village Ghetto Land); to celebracja wszystkich — białych, żydowskich, czarnych, mężczyzn i kobiet — którzy pomogli zbudować tę typowo amerykańską formę sztuki jazzu.
Chciałbym
Eric Clapton powiedział w 1974 roku, że Stevie Wonder jest najlepszym perkusistą naszych czasów. Jak słusznie zauważa dziennikarz muzyczny Eric Sandler, była to wielka pochwała od człowieka, który grał z Ginger Baker. Prawdziwy cud muzyczny, Stevie stał się biegły w grze na perkusji, pianinie i harmonijce ustnej w wieku 9 lat. Już jako nastolatek był nie tylko gwiazdą popu, ale także pisał i produkował dla innych, m.in. Spinners, na których sam gra na pysznym bębnie. ( Tutaj to podkład bez wokalu.)
I Wish jest bez wątpienia wzorem perkusyjnym Stevie Wondera. Oprócz wrodzonego wyczucia groove, istnieje muzyczna inwencja, która może wynikać z bycia wszechstronnym multiinstrumentalistą, w przeciwieństwie do kogoś, kto ściśle określa siebie jako perkusistę. Istnieje spójny wątek, który biegnie od tego utworu Spinners, poprzez Superstition, i można go ponownie usłyszeć w I Wish; znak firmowy Wonder skaczący beat. Ma to coś wspólnego ze sposobem, w jaki Mr. Wonder pracuje na talerzach hi-hat. Na przykład na I Wish zauważcie, jak w inspirowanym doo-wop rozpadzie po refrenie, otwiera i zamyka hi-hat w zupełnie nieoczekiwany i niekonwencjonalny sposób, tworząc rytmiczny zahak pod właściwym zacięciem melodycznym. I ten połysk hi-hat jest widoczny od samego szczytu toru. Podczas gdy uderzenie stopy i werbla stanowi podstawę utworu, skłębione triole i akcenty, które gra na hi-hat, tak widoczne w miksie, są podekscytowanym biciem serca, które sprawia, że nasze własne pulsy przyspieszają.
Co prowadzi nas do tego groove, jednego z najsłynniejszych w funku. Jako muzyczny kolokwializm, groove jest trudny do zdefiniowania, ale wiemy o tym, kiedy go słyszymy. Groove osiąga się, gdy perkusista kładzie się do kieszeni rytmicznej i nie pozwala zespołowi na zamieszanie podekscytowaniem z tempem, które zostało ustawione na górze utworu. Zapewnia wygodne i przewidywalne miejsce dla zespołu, wiedząc, że może pochylić się w rytm lub wycofać się z niego jako wybór muzyczny, jak w ukutym przez jazz termin swing.
Na życzenie, jak pokazano w Albumy klasyczne dokument o albumie Stevie rozpoczął nagrywanie na elektrycznym pianinie Fender Rhodes, które jest instrumentem, na którym zaczął prawie wszystkie utwory na albumie. Jego lewa ręka grała na ciągłej, kroczącej linii basu, która została później podwojona i ozdobiona warczącymi slajdami przez gitarzystę basowego Nathana Wattsa. Potem Mr. Wonder wszedł i położył ten utwór perkusyjny, a po chwili pojawiły się coś, co brzmi jak gitarowe partie pizzicato, które w rzeczywistości są dwiema konkurującymi ze sobą partiami syntezatora grającymi kontrmelodie.
To zaraźliwy, zły utwór, który jest jeszcze gorszy przez mocny atak mosiądzu. Mr. Wonder snuje nostalgiczny tekst, który jest jednocześnie dowcipny i przejmujący. Czy nadal możemy śmiać się z wersu takiego jak Staram się jak najlepiej, by woda dotarła do twoich oczu / Myśląc, że może to powstrzymać ją od puszczania ci pośladków / Chciałbym, żeby te dni mogły wrócić jeszcze raz / Dlaczego te dni kiedykolwiek musiały odejść? Jeśli nie, wciąż możemy uśmiechać się do słynnego palenia papierosów i pisania czegoś paskudnego na ścianie, a następnie do napomnienia siostry pana Wondera, Renee Hardaway. Ty paskudny chłopcze! I wielu z nas pamięta tę samą odpowiedź, jaką udzieliliśmy młodszemu rodzeństwu, które twierdziło, że zamierzają nas narzucić: po prostu nie mów, że dam ci wszystko, co zechcesz na tym całym szerokim świecie.
Pan Wonder nagrał piosenkę dzień po pikniku w Motown. Wytwórnia i studio służyły geniuszowi chłopca jako swego rodzaju gimnazjum i liceum, co może częściowo tłumaczyć tęskne spojrzenie na jego dzieciństwo.
Raj rozrywki
Mr. Wonder zbudował ten utwór z prototypowego polifonicznego (zdolność do grania wielu klawiszy/dźwięków jednocześnie) syntezatora Yamaha, który nazwał Dream Machine. Gary Olazabal, który był jednym z głównych inżynierów na płycie, powiedział SoundonSound.com że pan Wonder był zainteresowany używaniem sprzętu, którego nikt inny nie miał. Stevie wciąż próbuje zdobyć kolejną nową rzecz, mówi. W ten sposób jest jak dziecko.
Ważne jest, aby zrozumieć, że były to wciąż bardzo wczesne dni syntezatorów. Analogowe dźwięki syntezatora, zapoczątkowane przez firmę Moog, po raz pierwszy zaczęły być słyszane na popularnych płytach w czasach Here Comes the Sun Beatlesów. Ale technologia, która umożliwiła całkiem rozsądne kopie dźwięków akustycznych, takich jak smyczki, była wciąż w początkowej fazie. Technologia cyfrowa zrewolucjonizowałaby go jeszcze bardziej, ale to było wiele lat. Z utworami takimi jak Pastime Paradise, Mr. Wonder zadziwiał nasze umysły, gdy przypinaliśmy słuchawki Radio Shack w salonach naszych rodziców w taki sam sposób, jak Beatlesi dekadę wcześniej dla nieco starszych fanów muzyki.
Teraz łatwo jest uznać utwór taki jak Pastime Paradise za pewnik, gdy każdy dzieciak z Garage Band może szybko wybrać szeroką gamę tekstur dźwiękowych. A jednak raper Coolio podniósł cały utwór jako próbkę, tworząc własną wariację piosenki w przeboju Gangsta’s Paradise w 1995 roku, długo po tym, jak cyfrowe narzędzia były dostępne do łatwego tworzenia nowych dźwięków. W 1975 roku nawet osiągnięcie czegoś tak prostego, jak odwrócony dźwięk gongu, który otwiera utwór, wymagało podrzucenia rolki taśmy, odwrócenia jej i drobiazgowego odnalezienia odpowiedniego miejsca – tak jak Mr. Wonder zaczyna śpiewać pierwszą linijkę – wrzucić dźwięk do tego, co składa się na ostateczny master. Kilka lat później ta sama sztuczka byłaby dosłownie naciśnięciem przycisku.
w Albumy klasyczne dokument, Mr. Wonder wskazuje na cały groove Earth, Wind & Fire, który miał miejsce w tamtych czasach, jako na inspirację. Ilustruje to, wybijając rytm, który brzmi jak Can't Hide Love zespołu z 1975 roku, w którym Mr. Wonder był w środku nagrywania albumu. Napięcie Raju Rozrywkowego, podsycane przez afro-kubańską perkusję i dzwonki Hare Kryszna, osiąga apoteozę, gdy skandujący chór Kryszny, dosłownie sprowadzony z ulicy, łączy się z chórem gospel śpiewającym We Shall Overcome.
Tytuł jest grą słów o byciu uwięzionym w fałszywej nostalgii i nie stawianiu czoła surowym realiom teraźniejszości. Chociaż można by rozsądnie zapytać, czy nie jest to to, co sam pan Wonder robi z I Wish i Sir Duke z tego samego albumu – w końcu czy nie żył w jakimś raju rozrywki w bursztynie nostalgii, gdzie nawet krzyczy [jego ] z tyłu wspominano tęsknie? — to kwestia zastosowania.
Jasne, wszyscy lubimy patrzeć wstecz. Ale na kilka lat przed wyborami prezydenta Ronalda W Ameryce znów rano, Pasttime Paradise ostrzega Reagana przed polityczny manipulacja taką sentymentalnością. Gloryfikujące dni, które dawno minęły / Marnowali większość swoich dni na pamiątkę ignorancji… Podczas gdy mieszkańcy południa spoglądają czule wstecz na czasy segregacji są tutaj jednym celem, Mr. Wonder również uderza w tych, którzy są tak wierni, że akceptują żyjąc w złych warunkach z jakąś przyszłą obietnicą zbawienia.
Chociaż tekst piosenki zawiera kilka poważnych tematów, Mr. Wonder nieco ugrzęzł w litanii słów, tak jak zrobiłby to Bono dekadę później. Pamiętam, że kiedy pisał tę piosenkę w studiu, miał problemy z wymyśleniem wszystkich tych „-tion” słów, takich jak „rozproszenie”, „segregacja”, „wyzysk”, powiedział inżynier Olazabal. Próbował wymyślić wystarczająco dużo tych tekstów, które faktycznie coś znaczą i będą miały sens.
Zwykły ból
Następna piosenka, Summer Soft, służy jako przewiewne antidotum na Pastime Paradise, a lekki nastrój kontynuuje następną piosenkę z albumu, Ordinary Pain. Ale to krótkotrwałe wytchnienie. Ten utwór o smaku Al Green zaczyna się głosem Stevie-as-naifa, kontynuując wątek Songs of Innocence z albumu, który można podzielić na wzór Williama Blake'a. Pieśni niewinności i doświadczenia . Melancholijna melodia, która tworzy pierwszą część dwuczęściowej suity Ordinary Pain, nie jest pozbawiona humoru. Naprawdę Cudownie Powiedz jej, że się cieszysz / To już koniec / Czy może zabrać ze sobą ból, który przyniosła, to być może jego najbardziej gimnastyczny manewr, aby dokończyć wierszyk.
Co sprawia, że takie muzyczne momenty są tak skuteczne? Gdybyśmy mogli to wyjaśnić, czy potrzebowalibyśmy muzyki? To sama muzyka wykracza poza to, co mogą wyrazić same słowa. |
Ale ta ponętna wisielca zrobiła mi źle, opowieść przybiera ostry obrót, ponieważ powiedział / powiedziała drugą część. Gdy słodko-gorzka, tańcząca pierwsza połowa wygasa, posłuchaj, jak Stevie dodaje coraz ciemniejsze, opadające nuty basu na swoim elektrycznym pianinie, kończąc na dysonansowej nucie, która przechodzi w ostry funk drugiej części. Prowadząc rodzaj żeńskiego chóru greckiego, Shirley Brewer atakuje narratora biada-jest-mnie z pierwszej piosenki, rozpoczynając dosadnie Jesteś tylko masochistycznym głupcem / Myślałem, że znasz moje miłość była okrutna. Dzięki tej linii samoświadomość pana Wondera zostaje obnażona. Idealistyczny światopogląd, jaki prezentował do tej pory na płycie, pochodzi od niedoskonałego narratora. Pani Brewer wyrywa go z zamglonego oszołomienia.
Dwoje może zagrać w okrutną miłość. Teraz, gdy słyszymy jej kontrapunkt, myślimy, Cóż, hmmm. Może był ' w końcu taki dobry chłopak . Postać pani Brewer narzeka na kilka wykroczeń, za które odpowiedzialna jest postać Stevie: Płaczesz wielkimi krokodylimi łzami / Aby dopasować te, które płakałem przez lata / Kiedy byłem w domu i czekałem na ciebie / Byłeś gdzieś, robiąc coś . Mocno wbija gwóźdź z linią, o której wiedziałem, że nasza miłość będzie musiała się skończyć Bałem się jej głosu, gdy miałem 10 lat.
Punkt widzenia pani Brewer to upodmiotowienie, poparte siostrzanym chórem składającym się z Lindy Lawrence, Terri Hendricks, Sundray Tucker, Charity McCrary i Madelaine Jones, wspierającej twardą partię R&B w tradycji Ikettów i LaBelle. . Na płycie ze świetnym funkiem z lat 70., mocny, oparty na syntezatorach groove w części II Ordinary Pain jest wyjątkowym, uderzającym mocno, połączeniem między późniejszymi Sly Stone, Funkadelic i – z hornowymi riffami na ciężkim dole – rzeczami, które przyszedł w następnym roku lub dwóch, jak Brick House Commodores.
Czytałem lub słyszałem ludzi, którzy uważają to za słaby punkt na albumie. Wręcz przeciwnie, dla mnie tworzy ona centralną szpilkę, znakomicie zamykając wiele z tego, co sprawia, że płyta jest tak satysfakcjonująca, miękkie/twarde/naiwne/gorzkie/niewinność/doświadczenie/radość/ból, wszystkie zebrane w jedną piosenkę.
Isn ' t Ona urocza
Kiedy byłem dzieckiem, odtwarzałem w kółko pewne fragmenty niektórych piosenek, podnosząc igłę z moich płyt i ostrożnie odkładając ją z powrotem, aby ponownie posłuchać zmiany akordów, natchnionego wokalu lub gitarowej solówki. Na Isn't She Lovely Stevie rozpieszcza tych z nas, którzy chcą, aby ukochane piosenki trwały dalej, komponując zmiany akordów, gdy zabiera nas na nowe płaszczyzny ekstazy za pomocą harmonijki chromatycznej (w przeciwieństwie do harfy bluesowej), która wznosi się ponad harmonijkę jazzową wirtuoz, Toots Thielemans, na terytorium Sonny'ego Rollinsa. Kiedy piosenka stała się popularnym utworem na albumie dla disc jockeyów, Mr. Wonder z powodzeniem oparł się prośbom Motown o 7-calowy singiel 45 RPM. Ale wersja, którą najczęściej słyszymy w radiu, jest edycją dokonaną przez wytwórnię. Ale za długo? Proszę, synu. To tak, jakby powiedzieć panu Rollinsowi, Hej Saxophone Colossus! Powstrzymaj go trochę w „Tenor Madness”.
Nawiasem mówiąc, właśnie teraz odkryłem, że pan Rollins nagrał cover piosenki, o czym szczerze nie wiedziałem przed dokonaniem porównania. To ma sens. Oryginalne nagranie pana Wondera ma rodzaj kołyszącej pływalności, którą można znaleźć w niektórych bardziej popularnych albumach jazzowych, które nagrał pan Rollins. Poza długością i niektórymi technikami produkcji z lat 70., Isn't She Lovely brzmi jak klasyczny pop oparty na jazzie, który uosabiał nagrania Motown z lat 60., aż do pracy na tamburynie. Stevie gra prawie wszystko w piosence, nawet zaraźliwe partie basu grane na syntezatorze.
Tekst bezwstydnie i dosłownie afirmuje życie. Nad intymnymi nagraniami domowymi jego córeczki, Aishy – która teraz pojawia się z nim w występach i której narodziny świętuje piosenka – Mr. Harmonijka Wonder wzlatuje w powietrze w jednym z najlepszych pokazów improwizacji w historii. Nie jest to pobłażanie sobie solo; każda fraza jest niezapomniana. Każda runda komponowania ujawnia nowe, oryginalne melodie. Mogę zagwizdać lub zanucić całą sprawę, aż do jego potknięcia (około 4:40) ku przerażeniu moich dzieci podczas długich przejażdżek samochodem. Ale niewiele piosenek może sprawić, że poczujesz się tak dobrze jak ta. Jeśli uważasz inaczej, masz serce z węgla, przyjacielu.
Tak jak
Właściwy album kończy się dwoma kolejnymi kompozycjami z latynoskim zabarwieniem, As i wielkim finałem, Another Star. Na tym ostatnim Mr. Wonder w końcu uznaje rytm czterech na podłodze i błyszczące dźwięki modnej wówczas muzyki disco. To wspaniały trening taneczny z dużym zespołem graczy A-plus, takich jak George Benson. Ale dla wielu słuchaczy As musi być liczony jako jeden z – jeśli nie — najlepsza piosenka na albumie i nie mogę się z tym nie zgodzić.
Podobnie jak kolejna, która wkrada się jak na letniej, soft-rockowej bryzie, ale kończy się na nas ciężkim emocjonalnym uderzeniem. Jazzowa zmiana między zwrotkami ustępuje na chwilę chórowi gospel, który jest zaledwie zapowiedzią dla wampira, który kończy piosenkę. W międzyczasie Mr. Wonder śpiewa jeszcze jedno podsumowanie upływu czasu, pór roku i żywiołów życia: Tak jak nienawiść wie, że miłość jest lekarstwem/Możesz mieć pewność, że zawsze będę cię kochać.
Ale to znowu outro, w którym błyszczy Stevie, mieszanka samby i gospel, która w rękach Stevie jest bezsprzecznie naturalna. Z kierunek możesz mieszać całe to gówno! Po minucie przerwy trwającej 24 takty, Mr. Wonder ponownie wkracza do utworu z gardłowym rykiem, jak może Sly Stone, brzmiąc jak Big Bad Steve, a nie Little Stevie Wonder, z być może największym momentem lirycznym na albumie:
Wszyscy znamy czasami nienawiść i kłopoty życia
Może sprawić, że zapragniesz urodzić się w innym czasie i przestrzeni
Ale możesz założyć się, że twoje życie razy tyle i dwa razy więcej
Że Bóg dokładnie wiedział, gdzie chciał, abyś został umieszczony
Więc upewnij się, kiedy mówisz, że w tym jesteś, ale nie z tego
ty ' nie pomagasz w uczynieniu tej ziemi miejscem zwanym czasem piekłem
Zmień swoje słowa w prawdy, a potem zamień tę prawdę w miłość
A może powiedzą o tym wnuki naszych dzieci i ich praprawnuki.
To przesłanie albumu na wynos. Przez te wszystkie dekady nigdy nie słuchałem tego bez odczuwania tego samego węzła inspiracji, katharsis i euforii, tak blisko jakiegoś niejasnego przekonania, że zostałem uzdrowiony przez jakąś boskość, gdy przychodzę.
Mr. Wonder kończy set znacznie lżejszym Another Star, ale dla mnie to punkt kulminacyjny i zakończenie albumu. Reszta to słodka pustynia.
Hebanowe Oczy
Gdzieś po drodze zniknęła moja kolekcja lat 45 z dzieciństwa. Wśród nich znalazła się 7-calowa EP-ka Something Extra zawarta w Pieśni w kluczu życia album. Złamało mi się serce, że nie mogłem znaleźć tego rekordu. Wśród tych czterech piosenek na EPce znalazł się jeden z moich osobistych eklektycznych faworytów z całego pakietu, piosenka Ebony Eyes.
Wydaje się, że niewiele osób, które kochają ten album, zna tę piosenkę. Myślę, że w czasach na winylu EPka była prezentowana jako i stała się refleksją. Niecałe 10 lat po tym, jak kupiłem album, byłem na studiach i spędzaliśmy całe noce na kręceniu płyt, na zmianę jako DJ-e w akademiku. Mój przyjaciel miał znacznie pełniejszą i znacznie mniej poobijaną kopię copy Pieśni w kluczu życia Od razu poszedłem po EPkę i postawiłem igłę na nowoorleańskim utworze Ebony Eyes, który od tamtej pory stał się głównym pośród naszych hymnów o rajdowych sobotnich nocach.
Stevie kieruje profilem profesora Longhaira, który w utworze ma więcej niż trochę wpływu Allena Toussainta. Ale z jego mistrzowskim opanowaniem talkboxa, który sprawia, że jego syntezatory, takie jak gitara Petera Framptona, mają ludzką wymową. Wymienia się solówkami z asem saksofonistą Jimem Hornem, jest też partia pedal steel od Flying Burrito Brother, Petera Sneaky Pete Kleinowa, z których każdy grał na płytach Rolling Stones, George'a Harrisona i wielu innych.
W filmie Barry'ego Levinsona z 1982 roku Tania restauracja, bohaterowie odwołują się do dobrych czasów, kopnięć, a nawet gorących dziewczyn jako uśmiechu. Hebanowe Oczy to muzyczny uśmiech. Jest słonecznikiem nasion natury/Dziewczyną, którą niektórzy mężczyźni znajdują tylko w swoich snach/Kiedy się uśmiecha, wydaje się, że wszystkie gwiazdy wiedzą/Bo jedna po drugiej zaczynają rozświetlać niebo.
Powala mnie z nóg
Nie wyobrażam sobie bycia jedną z tych osób, które nagrywają piosenki na koncercie, nieważne, kimś takim jak ten facet, który nagrał wszystkie utwory z benefisu Key of Life w Los Angeles w grudniu 2013 roku. I nie chciałbym być osobą siedzącą za nim. Ale jako ktoś, kto nie był w stanie polecieć do Los Angeles, aby osobiście zobaczyć program, jestem wdzięczny, że ktoś go nagrał.
Ale teraz jestem zachwycony, że Mr. Wonder zdecydował się wyruszyć w trasę koncertową. Ostatni jego występ, w którym uczestniczyłem, był przytłaczającym doświadczeniem, ponieważ zagłębił się w swój katalog. I przygotowuję się do ponownego bycia emocjonalnym wrakiem, kiedy zobaczę program Songs in the Key of Life. Muzyka towarzyszyła mi przez całe moje życie słuchania i, szczerze mówiąc, wystarczy jeden kieliszek wina, żeby się rozpłakać. Ale na wideo z występu w Los Angeles zobaczysz samego Mr. Wondera, który najwyraźniej nie jest w stanie zaśpiewać refrenu Knocks Me Off My Feet, gdy tłum przejmuje kontrolę około 49-50 minut.
Co sprawia, że takie muzyczne momenty są tak skuteczne? Gdybyśmy mogli to wyjaśnić, czy potrzebowalibyśmy muzyki? To sama muzyka wykracza poza to, co mogą wyrazić same słowa. Jest ciepły blask nostalgii, nie tylko fakt, że wszyscy na widowni prawdopodobnie dorastali na albumie, ale także w samych akordach. Istnieje znajomość zmian, które nawiązują do My Cherie Amour i nie tylko, poprzez bossa novy, jazz i powrót do standardów z lat czterdziestych. Ponad tymi ciepłymi partiami fortepianu – elektrycznymi i akustycznymi – Stevie przenosi swoją melodię z prostej zwrotki do struktury przed refrenem, która zawiera własne wznoszenie i opadanie (dosłownie zilustrowane schodami w książeczce z tekstami), do szybujący chór. I zostaje przeniesiony na jeszcze wyższy poziom z modulacją tonacji (około 2:40) dla końcowego refrenu.
Napięcie, uwolnienie i ekstaza. Jest to forma, którą powtarza na całej płycie z takimi samymi rezultatami, jak na niezwykle zmysłowym Joy Inside My Tears, który mruczy z surrealistycznym syntezatorem i wprowadza Stevie do najbardziej uduchowionych wokalnych improwizacji od czasu wuja Raya Charlesa. Jednym z moich największych życiowych żalów jest to, że nie zobaczę Raya Charlesa, kiedy był jeszcze z nami. Trzeba dołożyć wszelkich starań, aby zobaczyć tych wielkich. Stevie Wonder jest jednym z gigantów. Nie występuje często. Będę tam w tym roku.
Bill Janovitz jest autorem dwóch książek o Rolling Stones, w tym: Rocks Off: 50 utworów, które opowiadają historię Rolling Stones i Wygnanie Rolling Stonesów na głównej ulicy .
