Czy izolacja jest dobra dla artystów?Khara Woods/Unsplash Znajdujemy się w dziwnym momencie, który wymaga od nas izolacji. I podczas gdy świat, jaki znamy, jest w stanie gotowości, nadal musimy wypełniać swoje dni i starać się zarobić wystarczająco dużo pieniędzy, aby przetrwać. Niektórzy ludzie mają szczęście wykonywać swoją pracę w domu, inni otrzymali urlop do powrotu normalności, podczas gdy wielu zostało całkowicie zwolnionych. Twórcy znajdują się w dziwnej sytuacji, w której mogą, przynajmniej teoretycznie, nadal tworzyć sztukę w przestrzeniach, w których żyją. Internet jest pełen sugestii, co robić podczas samoizolowania się, jak spędzać czas, choć mit artysty sugeruje, że twórcy są przyzwyczajeni do izolacji i są przez nią w minimalnym stopniu dotknięci. Prawda, z której pochodzi ta percepcja, jest w rzeczywistości o wiele bardziej interesująca niż bajka o torturowanym, samotnym artyście, którego ona zrodziła.
Dobrowolna izolacja była dobrym sposobem dla artystów, historycznie i dzisiaj, na znalezienie spokoju do tworzenia, z dala od plotek, biurokracji i ogólnego zgiełku życia. Renesansowy architekt i artysta (i ojciec chrzestny historii sztuki) Giorgio Vasari lubił chodzić do klasztoru w wiejskiej Toskanii, gdzie, jak pisał, nie mogłem znaleźć lepszego miejsca, aby poznać siebie. To właśnie podczas jednej ze swoich pierwszych wizyt tam, w okresie dwóch miesięcy, namalował Dziewica z Dzieciątkiem ze świętymi Janem Chrzcicielem i Hieronimem i to skłoniło mnichów do zamówienia od niego całego ołtarza.
W tym czasie ci, którzy byli w stanie, opuszczali zatłoczone miasta, w których szybko rozprzestrzeniała się zaraza. Rekolekcje na farmach, klasztorach i na wsi, z dala od grup ludzi, były jednym z najlepszych środków zapobiegających chorobom – lekarze w tamtych czasach nie byli przygotowani do zalecania innych sprawdzonych środków ochrony. W miastach wodę i ocet uważano za środki antyseptyczne. Transakcje w sklepach ograniczały się do umieszczania monet w misce z wodą lub octem i wsuwania monet przez szczelinę w drzwiach sklepu, po czym właściciel sklepu wsuwał towar z powrotem do kupującego. Zacięta modlitwa była też uważana za dobrego obrońcę przed chorobami.
Historycznie artyści byli w stanie tworzyć prace w samoizolacji, jeśli było to związane z unikaniem chorób, ale nie, jeśli chodziło o unikanie wojny i oblężenia. W takich czasach nerwy były tak spięte i niedostępne, że produkcja artystyczna bywała bardzo ograniczona lub wręcz nieistniejąca. W rzeczywistości większość artystów została ponownie przydzielona do ról inżynierów wojskowych w takich okolicznościach, a tacy jak Leonardo, Benvenuto Cellini i Vasari pełnili tę rolę w czasie konfliktu.
Częściowo dzięki dziedzictwu Vasariego mamy ten mit odosobnionego twórcy, poprzez jego wpływową książkę z 1550 roku, Życie artystów, który przedstawia artystę jako kogoś, kto żyje na peryferiach społeczeństwa (dosłownie lub w przenośni). Późniejszy frazes, który zrodził, służył podniesieniu prywatnego życia niektórych artystów do poziomu sławy przekraczającego nawet to, co osiąga ich praca. Najlepszym przykładem jest Vincent van Gogh, ten jedzący buty, podcinający uszy szalony geniusz, który unikał kawiarni Paryża – gdzie spotykał się każdy ze świata sztuki – i przeniósł się do Arles na dalekim południu.
Van Gogh jest chłopakiem z plakatu dla torturowanego, odizolowanego, ignorowanego artysty, którego rozumiemy jako Prawdziwego Artystę. Powiedział, że jego ruch polegał na zbliżeniu się do kolorów i oddaleniu się od szarości Paryża i wyjaśnił, że przebywanie w całkowitej izolacji, z dala od ludzi i wszelkich możliwych wpływów innych niż własne wizje sprawiło, że widział rzeczy wyraźniej. Ta całkowita izolacja pomogła mu być w środku strefa , lub ciągle zahipnotyzowany, jak Murakami niedawno opisał cel narzucona sobie przez siebie izolacja podczas pisania nowej książki. Prawda jest taka, że dla wielu twórców idealna jest przestrzeń, w której mogą być sami ze swoimi myślami. Pisarze i artyści regularnie wyjeżdżają na rekolekcje, co jest zasadniczo dobrowolną samoizolacją, aby wykonać pracę bez rozpraszania codziennego życia. Nie zapominajmy jednak, że wielu tworzy we wspólnych studiach, na zatłoczonych kampusach lub we współpracy z innymi.
Ale niewątpliwie coś się dzieje, gdy inwestujemy wszystko, co mamy, w dłuższy okres pełnego zanurzenia w procesie tworzenia sztuki – i niewiele lub nic więcej. Jednocześnie w wielu przypadkach my, artyści, wciskamy się tak głęboko w naszą pracę, że może ona stać się dla nas niewidoczna. Zbyt często ostateczne postanowienie, to stuknięcie, to uderzenie geniuszu, tchnienie boskości, kiedy wszystko (włącznie z tobą) jest podnoszone z podłogi, gdy magia osiada na twojej pracy, pojawia się tylko wtedy, gdy wyjmiesz z niej twarz i odetchnąć trochę. Czasami odejście od pracy pomaga nam zobaczyć to wszystko wyraźniej. Jak często blok pisarski (lub inne stacje artystycznego krzyża) został magicznie rozwiązany przez nieplanowane zboczenie, nieoczekiwane ucztę, romans lub po prostu kawę w nowym miejscu, niecodzienną rutynę? Tak więc izolacja jest dobra do wykonywania dużych części pracy. Ale potrzebujemy wytchnienia, aby oderwać się od deski kreślarskiej (dosłownie), aby dokonać nowych przełomów, rozwiązać problemy i znaleźć nuty łaski, które uzupełniają nasze symfonie (czasem dosłownie).
To właśnie wtedy, kiedy kumpel Van Gogha, czasem rywal, Paul Gauguin, przyjechał, aby spędzić z nim czas w Arles, obaj artyści naprawdę dokonali przełomu i rozkwitli. Ale artyści mogą być drażliwi, a między koleżeństwami a rywalizacją jest cienka granica. Ten wspólny pobyt zamienił ich przyjaźń w katastrofę i obejmował ten słynny akt Van Gogha, który odciął mu ucho, a następnie Gauguin odszedł na odwrót, z dala od znanej cywilizacji, jak ją nazwał - skończył w Polinezji.
Niektórzy artyści wprowadzili w swoją sztukę samoizolację, a nie tylko narzędzie do tworzenia sztuki. Chris Burden przygotował przedstawienie ( Kawałek łóżka, 1972), w którym dał surowe instrukcje swojemu galeriarzowi, aby w żaden sposób mu nie przeszkadzał. Potem pojawił się w galerii, położył się w niej na łóżku i pozostał tam, w całkowitej dobrowolnej izolacji, przez trzy miesiące. Miało to dla niego dodatkowy rezonans, ponieważ po ciężkim wypadku samochodowym, gdy miał 13 lat, został zmuszony do spędzenia dziewięciu miesięcy w łóżku podczas rekonwalescencji. Odnosząc się do obciążenia, chiński artysta Tehching Hsieh zamknął się w klatce w swoim studio na cały rok ( Kawałek klatki , 1978-1979).
To nieustanny taniec artystów pomiędzy izolacją a interakcją społeczną. Kiedy jest zbyt dużo prawdziwego życia, czujemy się jak ingerencja i tęsknimy za samotnym czasem, aby wykonać naszą pracę. Ale samo bycie sam na sam z naszą pracą może prowadzić do nieaktualnych powtórek. Przerwy i interakcje odświeżają nas i dają naszym kreatywnym sokom szansę na nowy przepływ. Czujemy również, że nasza kariera jest zagrożona, jeśli jesteśmy odizolowani i pracujemy zbyt długo – to postmodernistyczna troska, że musisz tam być, aby świat sztuki o Tobie pamiętał i zachował Twoje znaczenie.
Dla artysty nie ma jednoznacznej odpowiedzi na równowagę izolacji vs socjalizacji, ale cenimy sobie wolność wyboru. Wybierz, kiedy izolować, wybierz, kiedy się zaangażować. To proces, nieustanny akt chodzenia po drutach.
Pojawia się więc pytanie, teraz bardziej niż kiedykolwiek, czy izolacja oznacza, że będę tworzyć lepszą sztukę, czy też zanurzenie się w społecznym wirze nie tylko otwiera moje szanse na bycie zauważonym, ale sprawia, że moja sztuka staje się lepsza i bardziej adekwatna? Odpowiedź brzmi jedno i drugie. Teraz jest to podkreślone, ponieważ nie możemy zanurzyć się w wir społecznościowy, poza mediami społecznościowymi, które zapewniają efekt zapamiętania mnie, ale nie oferują pozytywnego, odświeżającego dystansu od pracy, który pozwala na gotowanie nowych pomysłów i dodawanie lukier ciasto starych.
Artyści lubią popadać w skrajności. Żeglować jak najdalej od wszystkich, jednocześnie zanurzając się we wszystkich możliwych zakątkach dużych, złożonych i różnorodnych równoległych projektów sztuki współczesnej, wystaw, współpracy, publikacji, prezentacji i wykładów. Artyści chcą pokazać, co zrobiliśmy, gdy byliśmy w jednej z naszych tajnych jaskiń, albo pokazać, że teraz możemy pracować tylko wtedy, gdy unosimy się w oceanie informacji i dostępności… dopóki nie będziemy mogli się doczekać, aby znowu uciec, więc my może odpocząć i docenić to wszystko. Istnieje wiele frazesów o artystach, ale jeden z pewnością jest prawdziwy: niezależnie od tego, czy przyjmują skrajności, czy nie, są skomplikowaną grupą – i lepiej, że jesteśmy za nią. Bez ich twórczych prób zrozumienia siebie i świata wszyscy bylibyśmy znacznie biedniejsi.
