Jeśli jeszcze nie widziałeś Million Dollar Baby Clinta Eastwooda i masz zamiar to zrobić, z całym szacunkiem radzę nie czytać dalej. Zachowaj tę rubrykę po obejrzeniu, bo zamierzam wyjaśnić, dlaczego – w przeciwieństwie do moich szanownych kolegów – nie podzielam ich entuzjazmu do tego filmu. Więc będę musiał podać więcej niż kilka szczegółów fabuły, aby wesprzeć moją sprawę.
Zacznę od stwierdzenia, że żaden film w mojej pamięci nie przygnębił mnie bardziej niż Dziecko za milion dolarów. Widziałem to dwa razy, najpierw na wczesnym pokazie, a później na DVD, i chociaż za drugim razem nie byłem tak przygnębiony, nadal czułem się dość ponuro.
Zaadaptowana na podstawie scenariusza Paula Haggisa, Million Dollar Baby opiera się na zbiorze opowiadań zatytułowanych Rope Burns: Stories from the Corner, autorstwa weterana bokserskiego cut-mana F.X. Narzędzia. Pan Eastwood, niezwykle energiczny 74 lata, gra siwego trenera walki Frankie Dunn. Wraz ze swoim kumplem i byłym wojownikiem Eddiem (Scrap) Duprisem, granym przez Morgana Freemana, Frankie prowadzi staromodną siłownię w centrum Los Angeles, która jest również miejscem, w którym śpi Scrap. Drobna kłótnia obu kumpli przypomina stare małżeństwo, podobnie jak ich magicznie związani rewolwerowcy w Unforgiven pana Eastwooda (1992).
Obraz zaczyna się od Frankiego, który zarządza obiecującym młodym zawodnikiem wagi ciężkiej, Big Willie Little (Mike Colter), ale po kilku imponujących zwycięstwach Big Willie odchodzi z Frankiem, ponieważ menedżer niechętnie rozpoczyna walkę o tytuł. Jednym z wielu demonów w obarczonej poczuciem winy przeszłości Frankiego jest częściowa ślepota Scrapa, poniesiona przez Frankiego w walce o tytuł, która zakończyła karierę bokserską Scrapa. Kolejny demon: wiele nieotwartych listów od zrażonej córki Frankiego, do której mimo to regularnie pisze. Frankie praktycznie oblega ojca Horvaka (Brian O'Byrne), swojego proboszcza, o radę w sprawie odpowiedniego pokuty za jego przeszłe grzechy, studiując czytać W.B. Yeats w oryginalnym języku gaelickim jest jednym z jego rytuałów pokuty.
Zgodnie z socjologią boksu niższej klasy, zawodnicy na siłowni są albo czarni, albo Latynosi – przynajmniej do czasu, gdy pojawia się Maggie Fitzgerald (Hilary Swank). Zaczyna nieumiejętnie pracować nad workiem treningowym, z deklarowanym zamiarem zostania mistrzem boksu pod okiem Frankiego. Maggie, zostawiając swoją rodzinę na parkingu przyczepy, by pracowała za grosze i resztki pieniędzy jako kelnerka w taniej restauracji, jest zdeterminowana, by zrobić coś dobrego na ringu. Frankie próbuje ją zniechęcić, wskazując, że w wieku 33 lat jest o wiele za stara, by zacząć trenować jako wojowniczka. Ale z pomocą Scrapa Maggie wytrwała do momentu, w którym zaczyna wygrywać walki klubowe. Oczywiście między Frankiem i Maggie powstaje zastępczy związek ojca z córką — on nawet wymyśla sprytny chwyt promocyjny, by przedstawić ją jako dumną irlandzką wojowniczkę, aby zapewnić sobie etniczną rzeszę fanów.
A potem upadek. Pierwsza kwaśna nuta pojawia się, gdy Maggie wydaje część swoich zarobków na zakup nowego domu dla matki i rodzeństwa. Margo Martindale, jako matka Maggie, powinna zdobyć jakąś nagrodę dla wszechczasowej matki filmowej z piekła rodem; pomimo hojności córki, drwi z Maggie, że wszyscy się z niej śmieją za sposób, w jaki zarabia na życie.
Mimo to triumfalna światowa trasa Maggie jest trochę pociechą, a ludzie kibicują jej wszędzie, gdzie się udaje. Kiedy wraca do Ameryki, Maggie jest w doskonałej formie do walki o mistrzostwo z przeciwnikiem, który walczy tak brudno, że sprawia, że Mike Tyson wygląda jak chórzysta. Rozpoczyna się walka, a Maggie wydaje się wygrywać — dopóki w nieostrożnym momencie po dzwonku jej przeciwnik uderza ją tak zaciekłym ciosem, że Maggie zatacza się po ringu, a jej głowa uderza w stołek, aż Frankie podjeżdża za dzwonkiem.
Maggie jest teraz koszyczkiem, wysysa tlen z rurki w szpitalnym łóżku. Błaga Frankie o pomoc w zakończeniu jej życia. Dodając do tego przerażenie, Monster Mom pojawia się wraz z całym jej chciwym potomstwem i prawnikiem posiadającym kontrakt, aby podpisać wszystkie zarobki Maggie jej rodzinie. Przegrałeś, kochanie, przegrałeś, mówi mama, doprowadzając córkę do całkowitego upokorzenia. Kiedy Maggie nie jest w stanie podpisać umowy — jej ręce są sparaliżowane — jej matka posłusznie wkłada jej pióro do ust, po czym Maggie staje się jej własnym, wypluwając pióro, przeklinając całą rodzinę i wyrzucając ich ze szpitala. szczury z tonącego statku.
Najbardziej zdumiewające w tragicznym obrocie wydarzeń było to, że walka o mistrzostwo, która zakończyła się quasi-kryminalnym aktem, nie wywołuje żadnych reperkusji ani protestów, ani ze strony Frankiego, ani kogokolwiek innego. Wiem, że John F. Kennedy powiedział, że życie było niesprawiedliwe na długo przed tym, zanim został zamordowany, i wiem, że krytycy filmowi byli uwarunkowani potępiać szczęśliwe zakończenia, ale czy to uzasadnia tak nadmierną złośliwość?
To, co mnie trochę rozbawiło i frustrowało, to sposób, w jaki krytycy skrupulatnie unikali wchodzenia w szczegóły dotyczące nagłego nagromadzenia nieszczęść, które rzekomo sprawiają, że film pana Eastwooda jest tak poruszający. Oczywiście nie chcą psuć zabawy widzom, którzy krzywią się z powodu nagłego pojawienia się śmiertelnego bólu i smutku.
Ale sugerowałbym, że opisanie ostatecznego wyniku jako tragedii, jak zrobili niektórzy krytycy, jest rażącym przekłamaniem. Tragedie mnie nie przygnębiają, ponieważ są starannie skonstruowane, aby uniknąć kaprysów ślepego wypadku i przypadkowego zła.
W końcu Frankie przychyla się do błagań Maggie i ułatwia jej samobójstwo – po czym, zgodnie z narracją Scrapa, Frankie znika z pola widzenia i nigdy więcej go nie widzi. Ciernista kwestia zabójstwa z miłosierdzia staje się czymś w rodzaju punktu kulminacyjnego obok opresyjnego połączenia złego wojownika i matki-potwora – twierdzę, że nic w narracji nie przygotowuje nas na tak katastrofalne rozwiązanie, chociaż niektórzy krytycy twierdzą, że dostrzegli złowrogie przyciemnienie tekstury filmu, ponieważ wydawało się, że toczy się po inspirującym stylu Rocky'ego. Błagam, abym się zmienił, gdy opieram swoją sprawę przeciwko Million Dollar Baby. Nie chcę przez to umniejszać pracy pana Eastwooda, pana Freemana i pani Swank: Wszyscy są znakomici w tym, co jest, moim być może ultraarystotelesowskim zdaniem, przyczyną przegranej.
Słodkie wydanie
The Sea Inside Alejandro Amenábara (po hiszpańsku, z angielskimi napisami), na podstawie książki Ramona Sampedro Listy z piekła, również opowiada historię niepełnosprawnego bohatera, który chce zakończyć swoje życie, aby umrzeć z godnością. Ale podczas gdy Baby Million Dollar wprawił mnie w przygnębienie, The Sea Inside sprawiło, że byłem zachwycony. Tak więc mój problem nie dotyczy złożonych uczuć związanych z pragnieniem cierpienia, by umrzeć z godnością, ale tego, jak opowiedziana jest historia poszukiwacza śmierci. Tam, gdzie Million Dollar Baby tonie w otchłani bezdennej rozpaczy, The Sea Inside wznosi się na fantastycznie romantyczne wyżyny miłości między mężczyzną a kobietą. A kiedy mówię szybować, mam na myśli dosłownie opisanie jednej z największych scen miłosnych w historii kina.
Javier Bardem gra Ramóna Sampedro, 55-letniego paraliżowanego, który został sparaliżowany po wypadku nurkowym 30 lat wcześniej. Będąc przykuty do łóżka, przez lata składał petycje do władz świeckich w Hiszpanii o przyznanie mu prawa do godnego zakończenia życia.
Scena miłosna, o której wspomniałem, pojawia się po tym, jak zakochuje się w Julii Beléna Ruedy, prawniczce, która przybyła mu pomóc złożyć pozew. Julia sama jest częściowo niepełnosprawna, porusza się laską z powodu choroby zwyrodnieniowej. Jest mężatką, a Ramón jest przykuty do łóżka, ale mimo to osiągają bezprecedensowy stopień duchowego związku.
Potem, pewnego dnia, przy poruszającej melodii arii Giacomo Pucciniego podbiję z Turandot, Ramón w magiczny sposób wstaje z łóżka, odsuwa je od okna, by zacząć rozbiegać, i wlatuje przez okno na brzeg morza, gdzie spotyka Julię w namiętnym uścisku. W tym sennym wtargnięciu do sfer, które Blaise Pascal najlepiej podsumował w aforyzmie, jest więcej niż odrobina reżyserskiej śmiałości. Serce ma swoje powody. Ta zuchwałość wydaje się naturalna dla reżysera, którego wcześniejsza twórczość była zanurzona w nieziemskim charakterze, w filmach takich jak Teza (1996), Otwórz oczy (1997) i Inni (2001).
Istnieją dwie inne kobiety w fizycznie, ale nie emocjonalnie ograniczonej egzystencji Ramóna: Rosa Loli Dueñas, pomieszana wulkanicznie i pomieszana matka dwójki dzieci, która widzi w Ramónie mężczyznę, któremu może wylać swoje serce bez deptania go. w błocie i Manuelę Mabel Rivery, szwagierkę Ramóna, która jest bardziej oddana potrzebom Ramona niż potrzebom własnej rodziny. Jedyne pytanie (i ostatecznie na to odpowiedź) brzmi: która z tych kobiet kocha go na tyle, by zaspokoić pragnienie jego serca, a tym samym rozstać się z nim na zawsze.
Podczas jego pozornie niekończącej się gehenny, Ramón pana Bardema, podobnie jak jego odpowiednik z prawdziwego życia, pozostaje wesoło uśmiechniętą postacią dla ludzi, którzy gromadzą się przy jego łóżku, aby pocieszyć się z własnych różnych dolegliwości. Ten radosny stoicyzm Ramóna znakomicie oddaje pan Bardem, obecnie jeden z najwybitniejszych aktorów świata.
Pokojówka w Los Angeles
Spanglish Jamesa L. Brooksa, według własnego scenariusza, może zostać oskarżony o odwróconą bigoterię ze względu na krzywy kontrast, jaki tworzy między meksykańską nianią Flor (Paz Vega) a jej zamożną pracodawcą z Los Angeles, Deborah Clasky (Téa Leoni). Rzeczywiście, pan Brooks reżyseruje Panią Leoni, aktorkę, która nie jest obca subtelności, w tej samej, przenikliwej nutce przez prawie cały film. Krytycy i przypuszczam, że opinia publiczna jest praktycznie zmuszona nienawidzić jej postaci, chociaż, kiedy się nad tym zastanowić, nigdy nie robi niczego naprawdę złośliwego, z wyjątkiem być może kupowania ubrań o kilka rozmiarów za małych dla jej pulchnej córki Bernice (Sarah Steele ). Natomiast Flor, dobra policjantka, uprzejmie szyje dla Bernice strój, który idealnie pasuje.
Adam Sandler gra nieszczęsnego męża Deborah, Johna Clasky'ego, światowej sławy szefa kuchni. W odwróceniu typu pan Sandler gra postać Caspera Milquetoasta, reagując niezmiennie delikatnością i wrażliwością na najbardziej oburzające wybuchy Debory. Do chaosu w domu przyczynia się również wesoło, ciężko pijąca matka Deborah, Evelyn (Cloris Leachman). Historia jest tak naprawdę opowiadana przez przedwcześnie rozwiniętą córkę Flor, Christinę (Shelbie Bruce), w przebłysku do jej podania do Princeton pomimo jej nielegalnego pochodzenia.
Ale właśnie wtedy, gdy miałem skreślić film pana Brooksa na straty jako film bogatego, nienawidzącego się dobroczyńcy ze słabością do latynoskich dzieci, nagle zaczął zmieniać swój punkt widzenia, by ujawnić, że źródło niepokoju Deborah wiele wspólnego z jej nieudaną karierą i nieszczęśliwym dzieciństwem z pijaną rozwiązłą matką.
W jednej z najzabawniejszych scen, w których anglojęzyczni i hiszpańskojęzyczni ludzie próbują się porozumieć – scena, która pokazuje, jak zaradna jest dziecięca aktorka, pani Bruce – Christina nie tylko tłumaczy dla swojej matki, ale także improwizuje gesty i ruchy, by udramatyzować emocjonalną treść słów matki. Już samo to wycie sceny jest warte ceny wstępu. Podobała mi się też scena, w której Deborah sprawia, że Flor wygląda trochę głupio, próbując prześcignąć ją w drodze do domu, z Deborah, która osiągnęła najlepsze wyniki, nawet nie zdając sobie sprawy, że jest rzucana wyzwaniem.
Mimo to nie jest przypadkiem, że Span-precedes-glish w tym specjalnym apelu dla imigrantów. Jednak film staje się coraz lepszy, a wszystkie postacie, w tym Deborah, stają się bardziej interesujące i atrakcyjne, gdy lepiej ich poznajemy. Pomyśl o tym, pan Brooks zawsze miał tendencję do bycia przenikliwym, nawet w swoich najlepszych filmach, takich jak Czułe słówka (1983) i Wiadomości telewizyjne (1987). Spanglish jest daleki od najlepszych, ale jest wystarczająco dobry na te generalnie bezmyślne czasy.
Włoski klasyk
Luchino Visconti (1906-1976) zaadaptował przenikliwą powieść historyczną o Sycylii Guiseppe di Lampedusa w 1860 roku w „Leopard”, jeden z najwspanialszych filmów wszechczasów, a także jeden z najgłębszych politycznie. Forum Filmowe pokazuje całą nieokrojoną wersję włoską – 195 minut, w tym 45-minutową końcową scenę balową, która zawiera wszystkie wątki filmu z rozrzutnym stylem, gdy życie człowieka powoli przemija. Z Burtem Lancasterem, Alainem Delonem, Claudią Cardinale, Serge Regianni i Paolo Stoppą (od 12 do 20 stycznia).
