„Rysunek jest kiepski, kolor okropny, ideał artystyczny niski” – wściekał się krytyk sztuki Ludwika de Fourcauda w 1884 r., recenzując tegoroczny Salon Paryski. „Z pewnością, gdyby tak wystawiona nieszczęsna dama usłyszała komentarze pod jej adresem przechodzącego tłumu, wycięłaby to ze ścian za wszelką cenę!” Twórcy dzieła nie szczędzi gniewu Fourcaud, oczerniając go jako tego, który „porzuca prawdziwą sztukę i goni dziwnych bogów sławy i prostackiej sensacji”. Obraz, o którym mowa, byłby znany pod anonimowym tytułem Pani X ; jego „pechowy” temat, tajemnicza piękność o imieniu Virginie Amélie Avegno Gautreau. Artysta był jeden Johna Singera Sargenta , mężczyzny, który zrobił płodną karierę jako portrecista dla wyższych sfer społeczeństwa końca XIX wieku, czego owoce można podziwiać ze spektakularnym efektem obok wielu oryginalnych sukni, które nosiły ich opiekunki w „Sargent and Fashion” w Tate Britain.
Przechodząc, zauważyłem coś dość niezwykłego: wszyscy bez wyjątku zwiedzający wystawę włączyli się w całkowicie cichą, nabożną kontemplację. Taka jest siła artyzmu Sargenta, że nie straciła ona swojej zdolności wzbudzania podziwu jakieś 140 lat po tym, jak położył pędzel na płótnie. Augusta Rodina , znany rzeźbiarz Myśliciel , mówił o Sargencie jako o „Van Dycku naszych czasów”. Jestem pewien, że nie tylko ja chciałem być muchą na ścianie podczas posiedzeń artysty ze swoimi bohaterami. Portrety mają, jak zauważa dr James Finch z Tate, charakter improwizacji, jak gdyby artysta i modelka prowadzili ożywioną rozmowę: w istocie są krytykiem Czasy czuł, że obraz Sargenta przedstawiający panią Hugh Hammersley (1893) „wibruje życiem; nigdy wcześniej duch rozmowy nie był tak realnie i żywo ucieleśniony”. Do tego dochodzi fakt, że wielu opiekunów Sargenta wydaje się być nieruchomych tylko przez chwilę, jakby zatrzymywali się na błyszczącym przyjęciu: było to w dużej mierze zgodne z zamysłem, a wystawa pokazuje, jak artysta kontrolował każdy szczegół namalowanych przez siebie kompozycji, w sposób podobny do osobistego stylisty czy reżysera.
O czym Sargent i jego obiekt mogli rozmawiać podczas sesji? Urzekający portret Adèle Meyer, bohaterki Pani Carl Meyer i jej dzieci (1896) przedstawia filantropa ubranego w stroje z epoki francuskiego rokoka, na wzór portretu Madame de Pompadour autorstwa François Bouchera: suknię w stylu XVIII-wiecznej z satyny w kolorze morelowym z kontrastującymi aksamitnymi czarnymi akcentami i złocone krzesło w stylu Ludwika XV obite gobelin. Meyer i Sargent mogli równie dobrze omawiać jej przyszłe projekty podczas posiedzeń, ponieważ miała ona podjąć badania na temat wytężonego życia kobiet w branży tekstylnej, publikując „ Twórcy naszych ubrań w 1909 r. (książka znajduje się na wystawie). „Jeśli istnieje jakikolwiek bezpośredni sposób, za pomocą którego ustawodawstwo mogłoby zmniejszyć zło niedopłat, jest to najwyższy moment, aby ustawodawstwo zainterweniowało w pomoc […] bardzo stłumionej klasie obywateli” – nalega książka, która faktycznie doprowadziła do -zmiana świata. Regulację wprowadzono w Ustawie o Izbie Handlowej z 1909 r., w której określono procedury ustalania płacy minimalnej.
ZOBACZ TEŻ: O dramacie i cichym uwodzeniu Pierre’a Bonnarda
Daleko od stłumionej klasy londyńskich krawców znajdowały się pracownie haute couturiers w Paryżu. Na wystawie znajduje się oryginalna suknia House of Worth z białej satyny ozdobionej misternie koralikami, która w dzisiejszych czasach kosztowałaby do 30 000 dolarów, a w katalogu widnieje informacja, że wiele pań „kupowało więcej niż jedną [suknię Worth] na raz i wracało rok po roku .” Bardzo chciałabym zobaczyć suknię wieczorową z dekoltem Madame Gautreau, wykonaną z czarnej satyny i aksamitu, ze słynnymi srebrnymi ramiączkami, ale niestety lokalizacja oryginalnej sukni nie jest znana. Suknie wystawy jako całość, choć świetnie się ogląda z bliska, w obecnych oprawach są wprawdzie nieco stonowane – równie dobrze mogły lepiej zaprezentować się w gablotach ze szkłem całkowicie antyrefleksyjnym. Etui jednak pozwalają widzowi uświadomić sobie, jak suknie musiały olśniewać w swoim oryginalnym kontekście, w świetle żyrandoli i świec, gdy ich noszące je osoby poruszały się po lustrzanych korytarzach i wspinały się po majestatycznych krętych schodach.
Najważniejszym punktem wystawy jest obraz przedstawiający mężczyznę ubranego w coś, co „New York Herald Tribune” określił jako „szkarłatną togę” – Doktor Pozzi w domu (1881), portret „książęcej postaci 35” – niejakiego doktora Samuela Pozzi, lekarza społecznego i pioniera ginekologa, który słynął z romansu z Sarą Bernhardt i który później został zamordowany przez jedną ze swoich pacjentek. Pozzi, nazywany przez Sargenta „genialną istotą”, stoi przed wejściem otoczonym czerwonymi zasłonami, jakby kazał nam przekroczyć próg, ale jego wzrok wpatruje się w odległy horyzont, jego wyraz twarzy jest nieprzenikniony. Nie jest odpowiednio ubrany przyjąć towarzystwo , ubrana w czerwony szlafrok nałożony na coś, co wygląda na koszulę nocną.
Dlaczego czerwony? W jej artykule Kultura ubioru , Pamela A. Parmal zauważa, że kolor może subtelnie nawiązywać do czerwonych szat zawodu Pozziego; inni zauważyli, że był to sposób na pokazanie Pozziego po służbie, zrelaksowanego i swobodnego, w domu, w oddaleniu od jedynego koloru, jaki naprawdę nosili mężczyźni w XIX wieku: czarnego. Portret ukazuje zaskakujący i fascynujący obraz niezwykłej osoby. W książce Człowiek w czerwonym płaszczu , angielski autor Julian Barnes wychwala Pozziego jako „racjonalnego, naukowego, postępowego i nieustannie dociekliwego”, stwierdzając, że „wypełnił swoje życie medycyną, sztuką, książkami, podróżami, społeczeństwem, polityką […]”. Ponownie widz pozostaje z myślą o tym, jak ciekawie byłoby usłyszeć rozmowę Sargenta i jego bohaterów podczas sesji portretowych.
W roku 1885, w którym odwiedził Sargent Claude Monet w Giverny, aby omówić kolor i pigment, Oskara Wilde’a napisał esej pt Filozofia ubioru , w którym stwierdził, że „Moda jest ulotna. Sztuka jest wieczna.” „Sargent and Fashion” świadczy o niezwykłej sile przetrwania poszczególnych aspektów mody. Moda, prezentowana z pewnym podejściem i przez pryzmat niezwykłych talentów artysty, skłania widza do zastanowienia się nad wewnętrznym światem osoby, która ją nosi. Dotyczy to portretu, fotografii i innych form sztuki, które zawierają element reżyserii scenicznej. Sargent uchwycił Belle Époque we wszystkich jej zachwycających chwałach i sprzecznościach; jego bohaterowie, niezwykle bogaci i cieszący się wielkimi przywilejami, wiedli życie tak ulotne jak bąbelki w ich coupe de Champagne. Poprzez te portrety przemawiają jeszcze raz.
„ Sargenta i mody ” można oglądać w Tate Britain do 7 lipca.
