Judyta zabija Holofernesa , Artemisia Gentileschi.Creative Commons Historia sztuki może brzmieć jak impreza z kiełbaskami. Gdzie są wszystkie panie? Są oczywiście na obrazach, czy to jako wyidealizowana wersja samych siebie (w formalnych portretach), jako obiekty pożądania (akty), jako obiekty czci (Maryja Dziewica), jako obiekty sadomasochistycznego zainteresowania religijnego (męczeństwa świętych kobiet), jako dawne boginie (Wenus lub Diana) lub jako cele seksualne dawnych bogów (ilustracje z Owidiusza Metamorfoza ). Ale co po drugiej stronie płótna? Zatrzymaj się prawie każdego na ulicy i poproś o wymienienie wspaniałej artystki, a są szanse, że nadadzą ci nowoczesne imię, może Marina Abramovic lub Tracey Emin. Ale czy mogliby wymienić kogoś, kto żył przed I wojną światową?
Zapytałem kilku kolegów historyków sztuki i nawet oni mają problem z wymyśleniem więcej niż kilku nazwisk (i przyznali się, że pamiętają nazwiska, ale nie widzieli prac artystów). Na szczęście istnieje kilka dużych wystaw, które ostatnio wysuwają na pierwszy plan przednowoczesne artystki.
Nowojorczycy będą mieli szczęście uczestniczyć w zeszłorocznych Vigée Le Brun: artystka w rewolucyjnej Francji w Metropolitan Museum of Art . Ale największe nazwisko i być może jedyna artystka renesansu, o której mogłeś słyszeć, jest obecnie prezentowana na przebojowej wystawie w Rzymie: Artemisia Gentileschi i jej czas w Museo di Roma w Palazzo Braschi.
Artemisia Gentileschi (1593-1656) jest znana, ale głównie z niewłaściwych powodów. Jej to operowa opowieść o seksie i przemocy – prawdziwej jakobińskiej tragedii zemsty, która zbyt często przyćmiewa jej obrazy. Jako najstarsze dziecko znanego malarza Orazio Gentileschi, od razu zabłysnęła jako czołowy talent rodziny, pracując w pracowni ojca wraz z braćmi. Ponieważ jej ojciec, podobnie jak wielu artystów z Rzymu na początku XVII wieku, był zachwycony dziełami Caravaggia – jego dramatycznymi, realistycznymi, gwałtownymi, dynamicznymi, punktowo oświetlonymi płótnami mówiącymi o Rzymie, w niczym nie przypominającym żadnego dzieła, które się pojawiło. przed nimi — ona również podjęła ten styl i można ją uznać za drugie pokolenie Caravaggisti.
Styl Caravaggia był tak nowy i popularny, że artyści gromadzili się, by go naśladować – nawet ci wyszkoleni w konkurencyjnym, bardziej ugruntowanym stylu akademickim promowanym przez Akademię Carracciego w Bolonii – coś, czego nie mógł znieść. Pozywał lub groził i stosował przemoc przeciwko ludziom, którzy naśladowali jego styl (lub rozgotowali jego karczochy, jak dowiedział się pewien pechowy kelner). Jednak ze wszystkich naśladowców tylko dwóch (przynajmniej moim zdaniem) wyróżnia się jako dorównujący lub przewyższający samego Caravaggia. Choć jest to opinia subiektywna (ale podzielana przez wielu), myślę, że Artemisia była na poziomie Caravaggia, może A do jego A+ (wolę ją Judyta ścinająca głowę Holofernesowi do jego, ponieważ wydaje się bardziej jak fantazja o zemście kastracji, o której oczywiście chodzi w tej biblijnej historii). A jedynym artystą, który go przewyższył, był prawdopodobnie bardzo niedoceniany Ribera.
Podczas gdy historia życia Caravaggia jest historią morderstwa i chaosu, historia Artemizji jest podobnie mroczna. Jej matka zmarła, gdy miała dwanaście lat i padła ofiarą zazdrości o jej niezwykłe zdolności, często oskarżana o pomoc ze strony ojca lub braci. Ale decydujący moment w jej karierze był niestety straszny. Malarz o imieniu Agostino Tassi, wynajęty przez jej ojca, by ją szkolił, zgwałcił ją wraz z innym agresorem, Cosimo Quorlisem. Przyjaciółka Artemizji, lokatorka rodziny imieniem Tuzi, usłyszała jej wołania o pomoc, ale zignorowała je.
Ale historia stała się bardziej skomplikowana. Gdyby Tassi, już zamężna, miała poślubić Artemizję, twarz mogłaby zostać uratowana (pamiętaj, że było to 17 lat).tenstulecie). Kontynuowali stosunki seksualne, Tassi naciągała Artemizję w oczekiwaniu na małżeństwo. Jej ojciec, Orazio, wiedział o tym, ale zachował mamę, aby zachować honor rodziny. To znaczy, dopóki nie stało się jasne, że nie będzie małżeństwa. Wtedy Orazio pozwał Tassi, a proces, który wzbudził duże zainteresowanie, trwał siedem miesięcy.
Proces był horrorem, zarówno dosłownie, jak i pod względem historii, które wydobyły na powierzchnię. Wyszło na jaw, że Tassi planował zamordować swoją żonę i miał innych kochanków, gdy żył z Artemizją. W niezwykle perwersyjnej praktyce Artemizja była torturowana, aby zweryfikować jej zeznania – zakładając, że wytrzyma tortury w imię prawdy lub przyzna się do kłamstwa, aby przed nią uciec. Ze względu na obowiązujące wówczas prawa, Gentileschi nie mieli racji bytu, dopóki nie byli w stanie udowodnić, że Tassi odebrała dziewictwo Artemizji, co było podobne do zrujnowania finansowego rodziny Gentileschi, przez uczynienie potencjalnej noszącej posag córki niemożliwą do zamążpójścia.
Proces zakończył się co najmniej niezadowalająco. Tassi został skazany na rok więzienia, ale odsiedział ani jednego dnia. Ale historia Artemizji poprawiła się od tego mrocznego punktu. Zaledwie miesiąc po procesie Orazio zaaranżował dla swojej córki zaaranżowane małżeństwo, które miało się okazać owocne. Do Florencji przeprowadziła się ze swoim nowym mężem Pierantonio Stiattesi, artystą mało znanym, ale postacią wspierającą. Mieli córkę, a kariera Artemizji rozkwitła, teraz z cienia Rzymu i jej rodziny. Otrzymała zlecenia od Medyceuszy we Florencji i Karola I Anglii. Zaprzyjaźniła się z Galileuszem i była pierwszą kobietą wprowadzoną do florenckiej Accademia delle Arte del Disegno, założonej w 1563 roku za namową renesansowego artysty, architekta i historyka Giorgio Vasariego.
Gdyby nie Vasari, moglibyśmy stracić kontakt z nielicznymi artystkami renesansu. Vasari jest najbardziej znany z tego, że napisał zbiorową biografię artystów, wydaną w 1550 i 1568 roku, zatytułowaną Żywoty najwybitniejszych malarzy, rzeźbiarzy i architektów . Jest to uważane za pierwsze prawdziwe dzieło historii sztuki, a jego poglądy na sztukę w dużej mierze wpływają na sposób, w jaki postrzegamy sztukę do dziś. Chociaż Vasari żył o pokolenie przed Artemizją, to dzięki niemu znamy kilka wspaniałych artystek renesansu.
Sofonisba Anguissola i jej trzy siostry, Łucja, Minerwa i Europa, mieszkały i pracowały w Cremonie. Vasari napisał o Sofonisbie: „Widziałem w domu jej ojca malowidło wykonane przez nią z wielką starannością, przedstawiające jej trzy siostry grające w szachy, a wraz z nimi starą pokojówkę, z taką pilnością i uwagą, że naprawdę wydają się żywe i niczego nie brakuje ale moc mowy. Pisał dalej, że w swoich wysiłkach rysunkowych wykazała się większym zaangażowaniem i większą gracją niż jakakolwiek inna kobieta w naszym wieku; w ten sposób udało jej się nie tylko rysować, kolorować i malować z natury, znakomicie kopiować od innych, ale sama tworzyła rzadkie i bardzo piękne obrazy. Pochwała Vasari dla artystek jest z pewnością zabarwiona poziomem mizoginii (brzmi niemal zdziwiony, że jako kobieta mogła tworzyć własne rzadkie i bardzo piękne obrazy). Ale rozpoznał jej talent.
Rodzina Anguissola była arystokracją kremońską, co można wywnioskować z faktu, że mieli czas na naukę malarstwa i grę w szachy. Ich ojciec, Amilcare Anguissola, nie był artystą, w przeciwieństwie do większości artystów przednowoczesnych. Był raczej bogatym, kochającym ojcem, który zapewnił swoim córkom wspaniałe wykształcenie i zachęcał ich do umiejętności artystycznych, nie martwiąc się o ich zdolność do małżeństwa – luksus, na który pozwalały ich bogactwo i szlachetność. Sofonisba udał się do Rzymu na spotkanie z Michałem Aniołem, a później został nadwornym malarzem króla Hiszpanii Filipa II. Żyła długim, bogatym życiem, w tym wyszła za swojego pierwszego męża, by poślubił kapitana, z którym pozostała przez 40 lat. W wieku 92 lat usiadła do portretu młodego Antony'ego Van Dycka podczas jego pobytu w Genui.
Sofonisba jest wspomniana w relacji Vasari o innej artystce, Properzii de' Rossi z Bolonii (wybaczcie Vasariemu mizoginię, jeśli chcecie – to było z jego strony dość feministyczne włączenie artystek do swojej historii): wstydzili się przykładać swe delikatne, białe dłonie do mechanicznych rzeczy, a wśród szorstkości marmuru i szorstkości żelaza podążać za swoimi pragnieniami i przynosić sobie sławę, jak uczyniła to nasza Properzia de' Rossi, młoda kobieta utalentowana nie tylko w sprawach domowych, ale w nieskończonych formach wiedzy, które są przedmiotem zazdrości zarówno mężczyzn, jak i kobiet.
Properzia miała naprawdę dziwną, ale niezwykłą specjalność: potrafiła rzeźbić maleńkie figurki w pestkach brzoskwini. Jedno z najbardziej skomplikowanych dzieł Properzii dotyczyło wyrzeźbienia całej Męki Chrystusa, wykonanej w najpiękniejszej rzeźbie, z ogromną liczbą postaci oprócz Apostołów i sług Ukrzyżowania. Passion Pit Properzii byłby świetną nazwą dla klubu nocnego artystki.
Ale dlaczego właściwie było tak mało artystek przed latami 20tenstulecie? Jest powód oczywisty i nieco mniej. Po pierwsze, kobiety zajmowały się tylko ograniczoną liczbą zawodów do czasu rewolucji przemysłowej, a tak naprawdę do lat 20tenstulecie. Rzemiosło, podobnie jak malarstwo i rzeźba, było prawie wyłącznie zajęciem mężczyzny, bez szczególnie ważnego powodu, poza zwyczajem. Kobiety renesansu były zazwyczaj zakonnicami, żonami i matkami, prostytutkami lub bardzo okazjonalnie zajmowały inne stanowiska (pielęgniarki, pokojówki, damy dworu, praczki, szwaczki itp.)
Mniej oczywisty powód ma związek z systemem studyjnym, który obowiązywał i dominował wśród artystów aż do rewolucji przemysłowej, a w niektórych przypadkach później. Większość artystów w całej historii szkoli się jako praktykanci, często zaczynając już w wieku 8 lat, mieszkając i pracując z mistrzem. W wieku 16 lub 18 lat mieli możliwość pozostania jako płatny asystent lub samodzielnego wykreślenia i założenia własnego studia. Aby założyć własną pracownię, młody aspirant musiał zgłosić arcydzieło do lokalnego oddziału cechu malarzy, swego rodzaju proto-związku, który kontrolował jakość i ilość artystów pracujących w swoim regionie (zwykle nazywanym Cechem św. Łukasza, który był patronem malarzy). To jest właściwa definicja arcydzieła: jedynego dzieła, według którego artysta jest oceniany, aby określić, czy jest wystarczająco dobry, aby zostać mistrzem i otworzyć własną pracownię.
Praktykanci i asystenci, mieszkający i pracujący razem 24 godziny na dobę, mogą być niezręczni i nie sprzyjać pracy, jeśli współtworzyliśmy sytuację, biorąc pod uwagę szalejące hormony 12-16-latków. Jeśli więc młoda kobieta nie byłaby na tyle zamożna, żeby mieć wynajętego korepetytora sztuki, albo gdyby nie była w rodzinie pracującego artysty, nie miałaby szansy uprawiania sztuki. Do 19tenwieku, kiedy materiały artystyczne zaczęły być produkowane fabrycznie, pigmenty, płótna i panele były drogie, często zaporowe, chyba że zostały zakupione w ramach płatnej prowizji. Nie było więc tradycji robienia sztuki tylko dla zabawy, ze względu na związane z tym koszty. Nic więc dziwnego, że przed epoką nowożytną, kiedy dziedzina sztuki, jak większość zawodów, otwierała się z coraz większym poziomem równości, było stosunkowo niewiele uznanych artystek.
Studia nadal istnieją (rozważmy dziś Damiena Hirsta i Jeffa Koonsa, dwóch najlepiej sprzedających się artystów w historii, którzy projektują i nadzorują tworzenie swoich dzieł sztuki, ale w rzeczywistości nie tworzą ich sami, ich zespół asystentów wykonuje większość czynności praktycznych praca). Ale stary system gildii rozpadł się wraz z rewolucją przemysłową, a artyzm nie jest już ograniczony do jednej lub drugiej płci.
Może to ironiczne, ale po prostu, że zdecydowana większość historyków sztuki to kobiety. Chociaż artystki z minionych epok były nieliczne, obecnie kobiety prowadzą badania nad sztuką z ogromnym marginesem i przewyższają liczebnie mężczyzn w głównych domach aukcyjnych (choć nie zawsze na samym szczycie). Być może więc w przyszłości dowiemy się jeszcze więcej o artystkach z przeszłości.
To jest najnowszy w Sztuka Obserwatora” Nowa seria Sekrety i symbole , autor i historyk sztuki Noah Charney. Jego następna książka jest o Giorgio Vasari i jego wpływie i zostanie opublikowana przez Nortona następnej jesieni.
