Nowy album Stone Temple Pilots, Shangri-LA DEE DA (Atlantic), nasuwa pytanie: czy można nauczyć starego psa, jak wyrywać nowe sztuczki? Kiedyś temat jadowitych tyrad każdego zadufanego w sobie indiebota, który starał się zachować to prawdziwy w gorączce złota po nirwanie, S.T.P., podobnie jak radon w twojej piwnicy, jakoś przetrwał. Pewnego dnia mogą nawet zastąpić Aerosmith jako starych, wspaniałych pozerów hard rocka. Do tego czasu wszyscy, z wyjątkiem kilku zgorzkniałych, zapomnieli, jak pogardzany był zespół w swoim najlepszym stylu, kiedy podszywanie się pod Eddiego Veddera, głównego wokalisty Scotta Weilanda, słyszeli kroki Richa Little'a i nie było tam ani nuty, tekstu, spojrzenia ani gestu. ci faceci sugerowali, że nie wydawało się to całkowicie, strasznie pochodne.
Starszy, mądrzejszy, prawdopodobnie odtruty, S.T.P. przynajmniej poszerzyli swoje horyzonty zawłaszczania. Kopanie narkotyków i powiększanie kolekcji płyt nie gwarantuje długowieczności zespołu, ale Shangri-LA DEE DA to obiecujący początek. Chociaż niektóre utwory, w tym Dumb Love, są, jak to ujął pan Weiland, vintage S.T.P. (co oznacza, być może, vintage Alice in Chains), zespół wyraźnie skorzystał na binge w Virgin Megastore. Lista inspiracji – od Beatlesów, przez Zeppelin, po Todda Rundgrena, według informacji prasowej albumu, pioniera bossa-novy Antonio Carlosa Jobima – po raz kolejny ilustruje cienką granicę między eklektyzmem a zabezpieczaniem swoich zakładów.
Po kilku przesłuchaniach ten album ma dziwny efekt. Wstręt może nieco osłabnąć i może pojawić się pewne uznanie dla jego umiejętnego manipulowania znajomymi dźwiękami. Kobiety w ciąży mogą nawet bezpiecznie poradzić sobie z Piosenką do spania, odą Weilanda do swojego nowonarodzonego syna, a zagorzali ludzie z epoki Vasoline mogą znaleźć ulgę w kryzysie wieku średniego w pracy toporka wykonywanej przez dziewczynę do bicia, Courtney Love w Too Cool Queenie (Dostała naprawdę sławny/ I zarobił dużo pieniędzy/ I trochę jego też). Nieszczera hagiografia Kurta Cobaina (Nie był w połowie zły/W ratowaniu świata) to nie jedyny fałszywy ruch w tej piosence. Dni tygodnia, rodzaj odrzucenia motywu Przyjaciół, chwytliwy jest tylko w formie gwoździa wystającego z futryny. Ale Shangri-LA DEE DA, jakkolwiek soczysty i drażliwy, ma w sobie kilka autentycznych momentów pop-rockowych, najlepiej widocznych w Wonderful and Bi-Polar Bear. S.T.P. nigdy nie mieli uczciwości, ale być może zyskali trochę godności, wciąż próbując się z tym uporać, teraz, gdy nawet pozujący przestali narzekać na wszystkich pozerów.
- Sam Lipsyta
Nuggets II : Wyprzedaż garażowa
Najpierw kilka faktów dotyczących Nuggets II: Original Artyfacts From the British Empire and Beyond (Rhino). Podobnie jak jego poprzednik – sam w sobie rozszerzona wersja epokowego podwójnego albumu wczesnej amerykańskiej psychodelii z 1972 roku, skompilowanego przez Lenny'ego Kaye – jest to czteropłytowe wykopaliska z partyturą rzadkich singli rzekomo znanych jako zespoły garażowo-rockowe z lat 1964-69. Zadaniem tutaj jest podkreślenie międzynarodowych odpowiedników takich jak Standells. Jedyne utwory zawarte na tych płytach, które trafiły na listy przebojów, to Pictures of Matchstick Men Status Quo i Friday on My Mind zespołu Easybeats. Melodia otwierająca, The Creation's Making Time, jest najlepiej znana jako myśl przewodnia Rushmore. I to wszystko o uznanie w Stanach Zjednoczonych.
Jeszcze bardziej niż rodzący się punk rock zebrany na Nuggets I (który został rozszerzony w 1998), single brytyjskich, europejskich, południowoamerykańskich i azjatyckich zespołów garażowo-rockowych są fetyszyzowane przez typ malkontentów, których można zobaczyć na targach WFMU Record Fair. Podejrzewam, że ma to związek z tym, że korpus Nuggets I nie jest już całkowicie ich: nieumyci (lub, w odniesieniu do higienicznych nawyków tego gatunku kolekcjonerów płyt, umyci) mogą wiedzieć, co się dzieje z muzyką LA. Maszynę, więc jest na La De Da w Auckland i Zipps w Amsterdamie. Teraz, wraz z premierą Nuggets II, będą musieli zacząć brać udział w spotkaniach wymiany w Mikronezji.
Dziwne w Nuggets II jest to, jak podobnie brzmią piosenki. Jest de rigueur narzekać na to, jak różnice kulturowe krajów są spłaszczane przez kapitalizm. Ale przedstawione tu dowody sugerują, że w latach 60. bezpośrednia muzyczna spuścizna Beatlesów, Rolling Stonesów, Who, Kinks i Yardbirds w dużej mierze nie sprzyjała heterogeniczności, ale jednorodności.
Jest w nim mnóstwo świetnych melodii, w tym Crawdaddy Simone Syndicats i I Am Just a Mops z japońskiego The Mops – dwie z bardziej szalonych piosenek tamtych czasów. Ruch „Słyszę, jak rośnie trawa”, „My Mind’s Eye” małych twarzy i „Who Dat” jury są pewne. Każda z tych czterech płyt z czystym, paskudnym rockiem brzmiałaby świetnie na imprezie na dachu: Garażowy rock jest fajniejszy do picia niż, powiedzmy, inteligentna muzyka taneczna.
Ale można się zastanawiać, dlaczego więcej z tych zespołów nie zawierało lokalnych wpływów, tak jak zrobiło to brazylijskie Os Mutantes przez Bat Macuma. Uwierz mi, cztery płyty z neandertalskim R&B i psychodelią to świetna rzecz. Ale tylko niemal certyfikowany mistrz muzyki z lat 60. nie uznałby Nuggets II za nieco otępiały.
– Rob Kemp
Thelonious Monk: Prosty, z ścigającym
Ponieważ rzadko mają prawa do całego nagranego dorobku nieśmiertelnego jazzu, wytwórnie lubią przepakowywać to, co mają i twierdzą, choćby w sposób dorozumiany, że to najważniejsza epoka w karierze artysty. W przypadku nowego trzypłytowego boxu Theloniousa Monka, The Columbia Years: 1962-1968, można by tak powiedzieć. Wcześniejsze pudła Monk – czteropłytowe Blue Note, zawierające jego pierwsze nagrania z lat 1947-1952, oraz pudełeczko Riverside z 15 płytami, obejmujące lata 1955-1962 – są matką jego formalnie pomysłowych kompozycji, stanowiąc wizytówkę jego zadziornych , perkusyjne i całkowicie sui generis podejście do fortepianu. (Ci, którzy nie są zaznajomieni z jego muzyką, mogą próbować wyobrazić sobie coś pomiędzy Erikiem Satie a folkowym bluesem.)
Ze względu na opóźnienie między geniuszem a uznaniem Monk pracował we względnym zapomnieniu nad wczesnymi arcydziełami. Kontrakt z Columbią zasygnalizował jego przybycie do wielkiego czasu i odwrotnie, jego nieuchronny upadek z łaski krytycznej. Wciąż grał wspaniale, ale w przeciwieństwie do różnych muzycznych ustawień z poprzednich lat, osiadł na wygodnym i czasami przewidywalnym kwartecie groove ze swoim saksofonistą tenorowym, Charliem Rouse. Z perspektywy czasu doceniamy, że zmierzał do całkowitego wycofania się z życia muzycznego, niemych lat 70., które poprzedzały jego śmierć w 1982 roku. Artystycznym akcentem, pierwsza płyta reedycji zaczyna się od czterosekundowego fragmentu mamroczącego Monka. sławny. Czy to nie suka?
To, co sprawia, że zestaw jest tak zaskakująco satysfakcjonujący – zarówno jako dzieło historycznego rewizjonizmu, jak i kolekcja genialnej muzyki – to to, co zostało odjęte, a nie dodane. Poprzez skompresowanie ogromnej produkcji Monka z Columbii na trzech płytach, Orrin Keepnews, producent reedycji i oryginalny producent Monka w Riverside, wyeliminował powtórzenia i długie godziny, które sprawiły, że Monk z lat 60. był tak problematyczny. Odmiana została pomyślnie zmodernizowana. Monk brzmi przebiegle i urzekająco na kawałkach kwartetu na płycie 1 (spróbuj Ugly Beauty); wypalanie na Blue Monk, jednym z big-bandowych kawałków na płycie 2; oraz zrelaksowany i ekspansywny z klarnecistą Pee Wee Russellem podczas koncertowego wykonania Nutty, z ostatniej płyty koncertowej.
Mimo to reedycja Columbia wydaje się być skazana na życie w cieniu pudełek Blue Note i Riverside. Ale to bardzo zaszczytne miejsce, jak na album jazzowy.
– Joseph Hooper
Ramones: Jive Talkin’
Niektóre zespoły potrzebują całej kariery, aby dopracować brzmienie, ale nie Ramones. Podobnie jak w przypadku Neu!, w 1976 r. mieli go w dół przez kilka pierwszych uderzeń perkusji. Jak pokazało niedawne wznowienie przez Rhino Records ich pierwszych czterech płyt długogrających (Ramones, Leave Home, Rocket to Russia i Road to Ruin, zawierające różne dema, single a w jednym przypadku cały koncert), reszta ich kariery koncentrowała się na finezji – nie jest to termin często kojarzony z punkiem. To, że byli tolerowani przez kolejne 25 lat, jest dowodem dobrej woli, jaką wzbudził zespół przypominający komiks, pomimo walk wewnętrznych i nazistowskiej ikonografii.
Wiele napisano o błazeńskiej osobowości zespołu, ale trzeba zastanowić się, z czego się narodziła: z miłością ironiczną akceptacją amerykańskiej kultury graffiti ich młodości, która została zredukowana do dzieciaka Kustom Kar Kommando, jakim był Fonz. Tak więc cała ich rozmowa o sedacji i leczeniu szokowym miała niewiele wspólnego z gniewem kultury punkowej, którą zrodziły; raczej była to ich nostalgia za Creature Double Features i Philem Spectorem. Zwięzłość piosenek, okładki Poszukiwaczy, obrazy o filmowych zapaśniczych potworach na okładkach ich albumów: wszystko wskazywało na mętne przekonanie, że hipisi nie tylko spieprzyli najwspanialszy okres w muzyce, ale także napisali oficjalną historię – taki, który traktowałby wszystko, co Ramones cenili, jako zwykłe preludium do 14-minutowego gitarowego solo Richiego Blackmore'a.
Na początku lat 70. rock przyjął bluesa jako formę autentyczności, przekształcając okrzyk terenowy w ścieżkę dźwiękową dla dekadenckich białych chłopców pełzających na obrzeżach Stevie Nicks. Ale Ramones byli wczesnymi anty-wiggerami, zrodzonymi z tradycji nowojorskich zespołów artystycznych oczerniania tego, co można uznać za kaukaskie przyklęknięcie wobec muzyki soul (na co odpowiada Nelly Furtado, Meep meep!). W rzeczywistości, ze swoimi skórzanymi kurtkami, fryzurami na miski i wąchaniem kleju Joeya Ramone, Ramones byli naprawdę minstrelami bieli. Kiedy śpiewa, Siedząc tutaj w Queens/Jedząc smażoną fasolę/Jesteśmy we wszystkich magazynach/Gulpin' down Thorazines w We’re a Happy Family, od Rocket do Rosji (ich najsilniejszy album), mają bladą twarz Podstawki dla Lower East Side, wybierają brawurę mook zamiast garniturów małp.
The Coasters byli Bamboozledami swoich czasów – Afro-Amerykanami, którzy śpiewali teksty kilku białych mędrców. Ale Ramones nie tylko żartowali sobie; punk rock, który wymyślili, był jedynym gatunkiem muzycznym, który narodził się ironicznie, dlatego ich rzesza fanów pozostała równymi kretynami, którzy nie zrozumieli dowcipu i krytykami, którzy myśleli, że to wymyślili. Podczas gdy społeczność punkowa pokazała swoją bliskość po śmierci Joeya Ramone w maju, podejrzewam, że każdy, kto postrzegałby świat jako bandę zlobotomizowanych łebków od szpilek, czułby się nieco oddzielony od jakiejkolwiek frakcji, która go celebrowała. A więc 1-2-3-4! pozostają najbardziej samotnymi liczbami, jakie kiedykolwiek poznamy.
- D. Strauss
