Kolor to język polifoniczny, z którego pochodzą nigeryjsko-amerykańscy artyści Wiktor Ekpuk (ur. 1964) i indyjsko-amerykański Natvar Bhavsar (ur. 1934) zbadanie przestrzeni ekspresyjnej, bogato nasyconej palety do rysowania nowych geografii w równoległych pokazach w Galeria Aicon .
Trzy lata po a pierwszy solowy występ , Ekpuk prezentuje w „ Jestem Esencją Mojego Przodka ” obrazy i rzeźby ze stali od 2014 do 2022 roku, powracające do pojęcia domu, wykorzenienia i odtworzonych tradycji. Poprzez pozornie naiwne śmiałe pociągnięcia, Ekpuk nadaje ciało i głos dominującym, podstawowym kolorom. Ryczą; wyzwanie; i zakłócać. Ekpuk reinterpretuje w delikatny, ale graficzny sposób nsibidi, tradycyjne symbole piktogramów z południowej i południowo-wschodniej Nigerii, które podróżowały na Haiti i Kubę wraz z atlantyckim handlem niewolnikami.
7-dniowa recenzja pigułki odchudzającej
Takie symbole unoszą się nad umysłami postaci np. na obrazach Matka 2 (2021) i Głowa do głowy 2 (2022) i rzeźba Ibibio dziewczyna (2022), które przekazują nieprzekładalność wewnętrznych myśli. W Wyrocznia (2014-2022), inspirowane nsibidi niebieskie kształty otulają całe płótno. Całość utrwala ich niepodzielne cechy. Postać – quasi-symetryczna i teksturowana – wtapia się w tę ogromną zbiorową nieświadomość, która nie jest ani w pełni przeszła, ani obecna. Ich twarz symbolizuje wszechwiedzące oko. Umysł przede wszystkim obserwuje; jego funkcją jest widzieć to, co zarówno widoczne, jak i ukryte.
Od afrykańskich korzeni po bliższe krajobrazy, Ten Amerykanin (2022) to imponująca próba uchwycenia fizyczności czerni w dzisiejszym społeczeństwie amerykańskim. Obraz oparty jest na wcześniejszym szkicu, zwanym wówczas Głowa stanu (2011). Ostre, żywe linie sugerują podziały, konfrontację i liminalność – jest wnętrze i zewnętrze, jaźń i inni. Postać przypominająca totem – powtarzająca się ikonografia w pracach Ekpuka – stoi wysoka. Ich włosy tworzą zarysy niejednoznacznych wartowników. W tych szczelinach można zajrzeć do innych lub ochronić się przed atakami z zewnątrz. Tutaj kształty nsibidi dodają również wzoru i tekstury, które są odporne na wymazanie.
„Nie trzeba próbować dosłownie czytać mojej pracy, ważniejsze jest, aby pozwolić sobie poczuć sztukę, bez ciężaru szukania znaczenia w każdym znaku” powiedział Ekpuk w wywiadzie z Art Breath, na osobistym słownictwie, które zaczerpnął ze sztuki i pisarstwa. Ekpuk, stypendysta Smithsonian Institution, obecnie mieszkający w DC, był prezentowany na Biennale w Johannesburgu (1995), Biennale w Dakarze (2014) oraz Instytut Świata Arabskiego (2017) wśród innych znanych miejsc i kolekcji.
Sztuka Ekpuka na papierze, poprzez akryl na kolażu, celebruje kobiecość i jej święte atrybuty. Tkanina i kolejne ślady labiryntu nsibidi definiują sylwetki statuetek, przypominając jak Benin brązy a inne niesłusznie nabyte rdzenne artefakty pozostają w nieprzyzwoitej liczbie kolekcji, z dala od miejsca, do którego naprawdę należą – w domu, w ich społecznościach. Pewność i nieposłuszeństwo Liberyjska dziewczyna (2022) kontrastuje z melancholijnym spojrzeniem in Pani w niedzielnej sukience (2022) i oba obrazy są w pewnym stopniu zagubione. W pierwszym z nich czerwony, niewypełniony zarys totemu nawiedza jak bolesne wspomnienie, podczas gdy w drugim niesie chmurę wijących się myśli, rzucając cień na słoneczny dzień.
W takich pracach Ekpuk posługuje się kodami portretu i podpalającymi kolorowymi ikonami, by potępić spuściznę kolonialną i ich uproszczoną estetykę. Jako wcielenie mentalnej ziemi i domu kultury, totemy są niezbędnymi świadkami płynnej tożsamości, która stara się uchwycić niebiańskie tęsknoty i mocne rozpoznanie ziemi i terytorium. Kolor jest środkiem do postrzegania, a takie fenomenologiczne doświadczenie nie ma sobie równych w pracach Natvara Bhavsara.
gdzie mogę uzyskać bezpłatne sprawdzenie przeszłości?
“ Część III: Prace z lat 1987-2005 ” stanowi trzecią część serializowanej retrospektywy. W tym najnowszym pokazie, na który składa się 14 obrazów, Bhavsar bawi się językową nieskończonością koloru, którą zamienia w taniec, intymność, ruch pigmentów pozbawionych elementów figuratywnych. W ten sposób ujawnia potęgę wizualnej intensywności w minimalistycznych, ale mocnych słowach.
Urodzony w Indiach Bhavsar przeniósł się do Nowego Jorku w 1962 roku, w czasie, gdy artyści mieszkali w tych samych dzielnicach co galerie, a środowisko SoHo obejmowało znane osoby, takie jak Mark Rothko i Barnett Newman. W abstrakcji Bhavsar pamięta kolory indyjskich tkanin i barwników oraz proszki Festiwalu Holi. Kolor jest schronieniem dla kaprysów wspomnień, dyfrakcji umysłu i jego wyzwalającego potencjału.
kiedy jest nowy bezwstydny?
Bhavsar prezentuje trzy ciała prac, które wspólnie obejmują napięcie eksploracji umysłu i odnajdywania swojego miejsca w świecie. Ta dwoistość jest pokazana jako stopniowa eksploracja kolorów od chłodnych do ciepłych, z których większość zawiera gęsty rdzeń pigmentów, takich jak VASOO II (1997) i VASOO III (1997). Te rozpryski, zaciągnięcia i plamy kierują niezmierzoną granicę przestrzeni kosmicznej, plastyczną skalę, która nadaje się również do form molekularnych. Niezależnie od tego, czy jest to nieskończenie duże, czy nieredukowalnie małe, nasz umysł wędruje po różnych dyfrakcjach i deklinacjach, które te pigmenty powiększają.
Od intensywnie nasyconego koloru, obrazy takie jak MANJAREE II (1996) i VERGA (1973-2004) przynoszą bardziej stonowane, eteryczne barwy. Z nimi zatrzymujemy się, a czas płynie tak miękko w rajskiej, bawełnianej perspektywie. GAT III (2001) jest bardziej zagracony i niespokojny, z szarościami odbarwiającymi żółte odcienie.
Bhavsar zwykle maluje w fazach lub cyklach, na przemian z błękitu, czerwieni, fioletu i innych. Nie ma koloru, do którego nie zbliżył się w swojej ponad 50-letniej karierze. Nowsze prace, takie jak BHADRAA III (2005) i ANDHARE (2005) stosują kontrolowane rzemiosło w rzeźbieniu pięknych wgłębień i detali, które konwersują z artystycznym wykonaniem nsibidi lub Rachid Koraichi” s mistyczna letryzm.
Trudno wyrazić słowami, jakie zmysłowe emocje wywołują te obrazy. Bhavsar jest po części magikiem, po części muzykiem, a wytrawny talent, który przenika jego prace, ujmuje swoją pozorną prostotą. Tam, gdzie Ekpuk komunikuje instynktowną miłość i przemoc, rozproszone światło Bhavsara wydaje się bardziej wybaczające, ale nie mniej głębokie.
brak sprawdzania przeszłości karty kredytowej
Bhavsar rozumie ciemność i cienie jako niezbędne warianty i rozmówców z pryzmatycznymi towarzyszami, podmiotowość, która przywłaszcza sobie farbę jako coś więcej niż tylko materię czy medium. Bhavsar przedstawia ulotność i marzenia, dym chwili i aliteracje ludzkiego uniesienia w znacznie bardziej organiczny sposób niż ruch Światła i Kosmosu z lat 60. XX wieku na Zachodnim Wybrzeżu, który został wskrzeszony dzięki ostatnim pokazom, takim jak „ Color Out of Darkness” kuratorem Jamesa Turrella w Pace Ostatnia wiosna. Podczas gdy jego prace są częścią an imponująca liczba wśród kolekcji instytucjonalnych i prywatnych, jego wkład we współczesny ekspresjonizm abstrakcyjny był często niedoceniany.
„Kolor mnie opętał. Nie muszę tego ścigać. Zawsze będzie mnie ścigał, wiem o tym” – napisał Paul Klee w swoim pamiętniku podczas pamiętnej dwutygodniowej podróży do Tunezji z innymi artystami Augustem Macke i Louisem Moillietem w 1914 roku. „Kolor i ja jesteśmy jednym. Jestem malarzem” – dodał Klee tego samego dnia.
Tak wiele wokół koloru pozostaje nieuchwytne, niematerialne i uświęcone. Jasność to aura, energia, uzależniające bodźce i czyste życie. Zarówno w pokazach Ekpuka, jak i Bhavsara poświęconych przemieszczeniu i uczuciu, widzimy w kolorze bijące serce, pozostałości snów, powidoki i niezachwiane dźwięki gdzie indziej.
Subskrybuj do newslettera Observer’s Arts
