Niegrzeczny, lubieżny i bezwstydny to trzy słowa, które dość trafnie opisują ogólnie filmy Adama Sandlera, a w szczególności 50 pierwszych randek. Podobnie jak jego walentynka The Wedding Singer z 1998 roku, ta rzekomo nowa komedia łączy w sobie twarz absolwenta Saturday Night Live z musującą, szeroko otwartą Drew Barrymore, która jest miłym środkiem zakwasu dla brzydkiej, szorstkiej i przerażającej osobowości, jaką pan Sandler (i wiecznie zdumiewające bractwo nierozważnych krytyków filmowych, którzy żywią się brakiem smaku) prawdopodobnie nazywa stylem. Mimo to, typowych gagów osłów i obrzydliwych sentymentalistów z drugiej klasy jest tu pod dostatkiem: gejowskie dowcipy, brutalne bicie, starzy ludzie, którzy gadają brudno, i żałosna koteria społecznych i medycznych odmieńców, którzy traktują portfolio kretynów jak champów pana Sandlera. i bohaterowie.
Nieistniejąca fabuła przerabia film Harolda Ramisa z 1993 roku Dzień świstaka, w którym Bill Murray zagrał cynicznego meteorologa skazanego na przeżywanie wydarzeń z 2 lutego w kółko, dopóki nie nauczył się stawać bardziej empatyczny wobec gryzonia z Punxsutawney szukającego swojego cienia. Jeśli jego postać utknęła w czyśćcu, postać Drew Barrymore, Lucy, zostaje skazana na otchłań. Zjawisko medyczne, które żyje tylko w złamanym czasie, jest nauczycielką sztuki, która doznała urazu głowy w wypadku samochodowym. Teraz co noc traci pamięć krótkotrwałą i każdego ranka budzi się z przekonaniem, że to kolejny dzień wypadku, czyli dzień urodzin jej ojca. Z powodów, których nie chcesz wiedzieć, jej nienawistny ojciec (Blake Clark), zażywany sterydami brat (Sean Astin) i różni rodzimi tancerze hula (czy zapomniałem wspomnieć, że to wszystko dzieje się na Hawajach?) zgadzają się na knebel , nawet oglądając conocną powtórkę Szóstego zmysłu i udając szok i zaskoczenie za każdym razem, gdy Bruce Willis okazuje się duchem. Kiedy terapia urojeń się znudzi, pan Sandler wchodzi jako weterynarz morski i zdobywca turystek o imieniu Henry. Zakochuje się w Lucy w chwili, gdy zauważa ją w barze, robiąc dom ze stosu gofrów. Lubi wąchać jego palce, ponieważ pachną jak makrela. To tylko przyprawiająca o mdłości czysta część. Przyprawiające o mdłości brudne części atakują to, co zostało z twojego mózgu szybciej, niż możesz powiedzieć Farrelly Brothers.
W każdym filmie Adama Sandlera żartuje się z gejów, seniorów, paraplegików, ludzi w wariatkowach i na wózkach inwalidzkich. Ale czy to nie ciekawe, że jedyną osobą, która we wszystkich tych filmach wygląda na zniszczoną i submentalną, jest sam Adam Sandler? W okropnych 50 pierwszych randkach jego braki wydają się jeszcze bardziej śmiertelne niż w paraliżująco pretensjonalnej miłości Punch-Drunk. Podczas gdy kulawy scenariusz George'a Winga dopasowuje się do nieznośnej długości filmu 95 minut z serią niekończących się dat, w których Lucy myśli, że spotyka Henry'ego po raz pierwszy, powtarzające się sceny pocałunku i przytulania są kompensowane przez reżysera Petera Zaangażowanie Segala w przesadę brutto. Na każdym etapie romansu film popada w tak wielką skatologię i młodzieńczą młodość, że wydaje się, że został wyreżyserowany przez pana Segala z palcem w gardle. Pan Segal jest człowiekiem odpowiedzialnym m.in. za Anger Management i Nutty Professor II: The Klumps, więc nikt nie wejdzie do tej krypty w poszukiwaniu subtelności, świeżości czy stylu.
Ale nawet według hollywoodzkich standardów, co to za umysł, który cię wali kombinacją tyle toaletowego humoru i fizycznej przemocy w tym samym czasie? Przygotuj się na makabryczne fragmenty z przedszkola na temat posiniaczonych jąder, obficie wymiotującego morsa i prawie hermafrodyty. (Czy jedno lub drugie nie wystarczyłoby?) Ojciec Lucy okrutnie naśladuje i kpi z wady wymowy syna. (Czy przesadne mięśnie młodego człowieka nie wystarczą?) Wszyscy jesteśmy zachęcani do gromkiego śmiechu z chorego psychicznie pacjenta z uszkodzonym mózgiem, a chory żart na temat niemal śmiertelnego wypadku motocyklowego Gary'ego Buseya jest płaski jak gnój słonia. Jest też kiepski, przesadny występ wiecznego pomocnika z repertuaru Sandlera, Roba Schneidera, jako hawajskiego narkomana o ciemnej skórze i pidginowej angielszczyźnie, który wciąż znajduje nowe sposoby na otwieranie ran na brzuchu po ukąszeniu przez rekina.
Głupi, szorstki i okropnie nieśmieszny, to rodzaj filmu, który sprawia, że modlisz się, aby prawdziwy żywy tygrys ząb pojawił się w środku sceny i sam wyrządził trwałe szkody. Teraz jest okrutny żart, który naprawdę zostawiłby mnie w szwach.
Nadseksualne trio
Mimo całego szumu i kontrowersji wokół perwersyjnego seksu i pełnej frontalnej męskiej nagości, Marzyciele Bernardo Bertolucciego to film, który poci się, by dowodzić, ale nie potrafi utrzymać uwagi. Jest ciężki i irytująco nieseksowny. Odurzony kinem i Kama Sutrą Bertolucci w swoich ostatnich kilku filmach porzucił hormony, którymi kierował Marlonem Brando w Ostatnim tango w Paryżu, aby zademonstrować jedyne zastosowanie masła, o którym Julia Child nigdy nie pomyślała. Ale w The Dreamers , którego akcja rozgrywa się w Paryżu podczas burzliwej wiosny 1968 roku, Bertolucci powraca do swoich trzech ulubionych tematów: seksu, filmów i polityki. Wszystkie trzy były wtedy na pełnych obrotach, napędzając rewolucje chaotycznych lat 60-tych. Ten rok był czasem strajków, protestów studenckich, skandali politycznych i wściekłego hedonizmu, kiedy Henri Langlois został wypędzony z halcyonowych sal Cinematheque Française w Paryżu, a tłum buntujących się kinomanów przykuł łańcuchami do bram z Nową Falą ikony takie jak François Truffaut, Jean-Luc Godard, Jean-Paul Belmondo i Simone Signoret. Nowicjusz Bertolucci, były asystent Pier Paolo Pasoliniego, który wstąpił do świętych szeregów po swoim pierwszym filmie w 1962 roku, był tam, a adrenalina pamięci oczywiście wciąż napływa do jego mózgu. To ostatni raz, kiedy filozofia, którą napotkali na ekranie, tak wpłynęła na wystarczająco dużo ludzi, że byli gotowi szturmować barykady i uzbroić policję bojową w pałki i gaz łzawiący, by bronić filmów Nicholasa Raya.
Zaadaptowany przez Gilberta Adaira z jego powieści The Dreamers to kronika doświadczeń Matthew (Michael Pitt), samotnego, naiwnego amerykańskiego studenta i nienasyconego kinofila, który spędza dzień i noc w Cinematheque. Z odrobiną brandy i zrządzeniem losu poznaje Isabelle (Eva Green) i Theo (Louis Garrel), egzotyczne francuskie bliźniaki, których ekscentryczni rodzice wyjechali na dłuższe wakacje i zostawili rodzeństwo samego w zagraconym, przestronnym i nieco sprośnym mieszkanie rodzinne. W ciągu dwóch dni brat i siostra przenoszą rzeczy Matthew z hotelu do ich mieszkania, gdzie flirtują, fascynują, romansują i uwodzą go do menage à trois, który zmienia całe jego życie. Oto uprzejmy, łagodny, schludny Amerykanin z San Diego na tle zielonych trawników, kombi i butów Brooks Brothers, którego seksualna poprawność jest stopniowo umniejszana przez kazirodczy akt brat-siostra, który chce go wtajemniczyć. artystyczne gry własnej niekonwencjonalnej rewolucji seksualnej. To tyleż film o filmie, co o kopulacji. Ponieważ przesycone seksualnością trio odwołuje się do życiowych doświadczeń, które ograniczają się do scen z filmów, które obejrzeli na ekranie, Bertolucci przycina fragmenty filmów z Chaplinem, Garbo w Królowej Christinie, Fredem i Ginger i, oczywiście, niezatartym pierwszym wrażeniem każdego Amerykanina Paris-Jean Seberg sprzedający International Herald Tribune na Rue l'Opera in Breathless. Matthew wpada do świeckiej egzystencji kazirodczej dekadencji, oddając się wszelkim eksperymentom seksualnym z całkowitym poddaniem się, aż przygody na rozdartych zamieszkami ulicach na zewnątrz wyprzedzają przebudzenia w łóżkach w środku, a droga do dojrzałości i samopoznania kończy się w separacja. Matthew w końcu uświadamia sobie, że w życiu jest coś więcej niż niespecyficzne orgazmy płciowe. Postawione pytanie brzmi: A co z sequelem, w którym swoją napaloną transformację poddaje próbie z powrotem pod palmami San Diego?
Jest mnóstwo seksu, ale większość z nich jest słaba i żaden z nich nie jest bardzo pulsujący. Aktorzy są prawie czerwoni z wysypki zakłopotania i z wyjątkiem Evy Green, która jęczy z symulowanego pożądania jak królowa porno, nikt nie wydaje się być bardzo podniecony. Pan Pitt, niezwykle niezgrabny aktor z Brooklynu, z włosami koloru pszenicy i spuchniętymi ustami, obnaża tyłek i johnsona, ale jest zbyt chudy i zaciśnięty na ustach, by wywołać znaczną gorączkę. Barokowe atelier paryskie, w którym młodzież realizuje swoje fantazje, nadaje filmowi uroczą, stonowaną jakość, która rzadko wychodzi na światło dzienne, ale jest to krótkowzroczny temat, którego Bertolucci nie do końca udaje się wykroczyć poza jego osobistą wizję. Francuski klimat polityczny 1968 roku nie jest tematem, który wielu ludzi interesuje w 2004 roku, a seks nie jest bardziej erotyczny niż Janet Jackson na Super Bowl. To film o młodości i pasji, który wydaje się stary i pozbawiony pasji.
Can-Can Can!
Can-Can, pierwsze bisy! produkcja z 2004 roku rozwiała mit, że popularna seria inscenizowanych wersji koncertowych starych broadwayowskich musicali przeżyła swoją przydatność i popularność. Nie poznałbyś tego z krzyków aprobaty odbijających się od belek balkonowych w centrum miasta. Jedno pytanie jednak dręczy. Pierwotny cel bisów! 10 lat temu było powtórzenie spektakli, których nikt nie widział od lat, montowanych bez dekoracji i kostiumów, z całą obsadą niosącą w rękach książki i libretta i grających zaniedbane, często zapomniane partytury godne powtórnego spojrzenia. Czy pienisty, ale bezsensowny Can-Can Cole'a Portera się kwalifikuje? Może nie widywano go zbyt wiele od czasu otwarcia w 1953 r., Przy zdecydowanie mieszanych recenzjach, z obsadą, w której znaleźli się Lilo, Peter Cookson, Gwen Verdon i Hans Conried, ale działał przez dwa lata i zdobył Tony Awards za Gwen Verdon i choreografię Michaela Kidda, więc kto nazwałby to niejasnym? I możemy teraz udać się do naszych odpowiednich zakątków ringu i walczyć o to, czy jest to warte ponownego wystawienia. Książka Abe Burrowsa zawsze była płaska, ale w ciągu 50 lat wyrosły jej włosy. I pomimo swojej odporności na upływ czasu, hity takie jak I Love Paris, C’est Magnifique i It’s All Right with Me zawsze należały do moich najmniej ulubionych pozycji w katalogu Cole Portera. Poza tym uważam, że Michael Nouri to lox zrobiony z cyprysu i zawsze byłem całkowicie uczulony na pisk Patti LuPone.
Powiedziawszy to wszystko, muszę teraz wgryźć się w duży kawałek skromnego ciasta i przyznać, że świetnie się bawiłem w Can-Can. Jednowymiarowa fabuła o bitwie, która przeradza się w romans między spiętym sędzią imieniem Aristide, który przysięga przestrzegać prawa cenzury z 1893 roku, zakazując wszelkich sugestywnych publicznych pokazów tańca, które mogą zachęcać lub pielęgnować podstawowe instynkty niegrzecznych paryżan, oraz pyskata La Mome Pistache, właścicielka cieszącego się złą sławą kabaretu Bal du Paradis na Montmartrze, gdzie co wieczór losuje się nielegalny kan-kan, jest jak zawsze jednorazowa. Wszystko prowadzi do procesu, gdzie na sali sądowej tylko jedna rzecz zmieni prawo, zachwyci ławę przysięgłych i roztopi lodowate serca sędziów: Przynieś kankana! Jest banalnie nie do opisania, z natrętnym kadrylem, baletem Garden of Eden i pochodnymi tańcami apaczów, które były tylko zdawkowe. Ale było też kilka niezaprzeczalnych przyjemności: fabuła drugiego banana o Borisie, nadętym, głodującym bułgarskim artyście i jego cierpliwej dziewczynie Claudine, tancerce kankana, została ogromnie wzmocniona przez rozrzutnie czarującego Reg Rogersa i libidinę. , długonoga Charlotte d'Amboise. A jako dorodna pistaczka, Patti LuPone w końcu znalazła rolę, która wypełniła jej głos i gorset. Była najgorszą Annie Oakley, jaką kiedykolwiek widziałem, a jako nieszczęsny Reno Sweeney w Anything Goes nie mogłem zrozumieć ani słowa, które powiedziała (lub zaśpiewała). Ale w Can-Can była babeczką belle époque, która była właścicielką sceny. Jej śpiew wzniósł się, ale nie był apatyczny ani płaski, jej słone aktorstwo przekonało, ale nie było nerwowe ani ostre. Za każdym razem, gdy czekała na skrzydłach, słychać było, jak publiczność traci uwagę. Kiedy wróciła, krocząc, ale nie zadziornie, wszyscy stanęli na baczność, gotowi zasalutować. Jest to produkcja wycinana i wklejana, profesjonalnie wyreżyserowana przez Lonny'ego Price'a, pokazu, który w tekście Cole'a Portera mogę z łatwością polecić allez-vous-en. Nigdy więcej nie chcę widzieć ani słyszeć Can-Can, ale jako rzadka prezentacja podkreślająca najlepsze cechy Patti LuPone, tytuł piosenki C’est Magnifique okazał się zaskakująco prawdziwy.
