Patriota Rolanda Emmericha, według scenariusza Roberta Rodata, wydaje się inspirować ciekawie szeroki wachlarz reakcji obejmujących wiele odcieni opinii na temat spektrum politycznego. Niektórzy konserwatywni publicyści przyjaźni z National Rifle Association chwalili film za przypomnienie nam o kluczowej roli, jaką odegrała lokalna milicja w chwyceniu za broń przeciwko brytyjskim ciemięzcom kolonialnym. Benjamin Martin Mela Gibsona jest kompozycją kilku postaci partyzantów z południowych lisów bagiennych, XVIII-wiecznych wersji Viet Congu, którzy zamienili życie w piekło dla bardziej uporządkowanych czerwonych płaszczy. Nawet małe dzieci Martina są rekrutowane do strzelania z muszkietów we wroga i robią to ze śmiertelną celnością.
Nie znaczy to, że Martin nie jest wystarczająco sprowokowany do szaleństwa w brytyjskich szeregach ze śmiercionośnym tomahawkiem odziedziczonym po wojnie francusko-indyjskiej, okrutnej krwawej łaźni, która pozostawiła go z silnymi przekonaniami pacyfistycznymi. Zapomnij o opodatkowaniu bez reprezentacji albo Daj mi wolność albo daj mi śmierć – Martin odmawia walki z Brytyjczykami, dopóki krew jego własnej rodziny nie zostanie przelana przez nazistowską brutalność pułkownika Williama Tavingtona (Jason Isaacs). Wydaje się, że panowie Emmerich i pan Rodat chcą mieć obie strony, najpierw głosząc przeciwko wojnie za pomocą XX-wiecznej retoryki, a następnie demonstrując jej zaciekłość w graficznych i często upiornych szczegółach, które sprawiają, że żałośnie nieliczne poprzednie ekranizacje rewolucji amerykańskiej wyglądają jak konkursy na herbatę.
Wiele zrobiono o niemieckiej narodowości pana Emmericha, szczególnie w Wielkiej Brytanii, gdzie grożono bojkotem z powodu nadmiernej anglofobii w filmie w czasie, gdy Stany Zjednoczone i Wielka Brytania są tak blisko, że centrowa polityka Billa Clintona i Tony'ego Blaira jest w żenująco symetrycznym ustawieniu. Historycy twierdzą, że scena, w której Tavington zagania patriotów – mężczyzn, kobiety i dzieci – do kościoła, a następnie nakazuje podwładnemu podpalić budynek, w rzeczywistości nawiązuje nie do rewolucji amerykańskiej, ale do okrucieństwa nazistowskiego SS we Francji w 1944 r. .
Jakakolwiek obrona Patriota musi brać pod uwagę reputację przeboju pana Emmericha: jego międzyplanetarny Dzień Niepodległości pobił wszelkie rekordy kasowe, gdy został otwarty w weekend 4 lipca 1996 roku po sześciomiesięcznej kampanii reklamowej. Doprowadzenie Patriota do komercyjnego poziomu Dnia Niepodległości wymagało przynajmniej ciosu w walkę dobra ze złem.
Ale to, czego nie ma w Patriocie, który obfitował w Dzień Niepodległości, to współbohaterowie – odrzutowy dżokej Will Smith i macho prezydent Bill Pullman – kopiący obcy tyłek w wielorasowej harmonii. Tutaj pan Emmerich i pan Rodat muszą ostrożnie tańczyć wokół kwestii niewolnictwa w Ameryce, czyniąc postać pana Gibsona Wielkim Wyzwolicielem przed jego czasem. Film bardzo inteligentnie przypomina nam również, że wielu kolonistów nie chciało oddzielić się od ojczyzny, a brytyjscy arystokraci, tacy jak Cornwallis (Tom Wilkinson), uważali kolonistów za swoich przyszłych braci, a także poddanych korony. Tak więc prawdopodobnie nie jest to zła historia, która sprawia, że Patriot jest podobno mniej popularny niż The Perfect Storm, ale za dużo historii.
Boli również ten rzadki wskaźnik R dla czystej, niesfałszowanej przemocy, bez śladu seksu, nagości czy czteroliterowych słów. W obecnej sytuacji pan Gibson i pan Isaacs zagrali lepszy show, mano à mano , niż Tom Cruise i Dougray Scott w M:I-2 . Wreszcie, pan Rodat mógł się przechytrzyć wyrafinowanymi słuchaczami, wstawiając scenę, w której Kornwalia przewiduje lojalistyczną Amerykę zdominowaną przez wielkich właścicieli ziemskich, tak jakby nasi Ojcowie Założyciele byli tłumem ukrytych marksistów-leninistów.
Iść do domu
Prysznic Zhang Yanga, na podstawie scenariusza Liu Fen Dou, Pana Yang, Huo Xin, Diao Yi Nan i Cai Xiang Jun, wywołuje u zachodnich odbiorców znajomą nostalgię za prostszą, słodszą, nie zaawansowaną technologicznie przeszłością w kontekście niezręczne spotkanie rodzinne. Da Ming (Pu Cun Xin) jest odnoszącym sukcesy biznesmenem w Nowych Chinach. Po otrzymaniu prymitywnie narysowanej pocztówki od swojego opóźnionego w rozwoju brata Er Minga (Jiang Wu), Da Ming podejrzewa, że zmarł jego starszy ojciec, Mistrz Liu (Zhu Xu). Pędzi do domu, do rozpadającej się dzielnicy w starym Pekinie, gdzie dorastał i z której uciekł w przypływie emocji karierowicza.
Odkrywa jednak, że jego ojciec tak naprawdę żyje i jest właścicielem staroświeckiej łaźni ze wszystkimi udogodnieniami dla kolorowej klienteli. Stare i nowe są satyrycznie kontrastujące z nowoczesnym prysznicem, w którym Da Ming przyjmuje groteskowe urządzenie przypominające myjnię samochodową, która służy jako oszczędzająca czas nagana przed spokojniejszymi ceremoniami pełnej kąpieli, którym przewodniczy Mistrz Liu. Karty są ułożone w znany, stary hollywoodzki sposób, przeciwko przebojowi z wielkiego miasta, który stracił kontakt z cieplejszym, bardziej przyjaznym życiem, które pozostawił za sobą. Da Ming nigdy nie powiedział swojej żonie o swoim opóźnionym w rozwoju bracie, który staje się tak natrętny, jak jego odpowiednik w niedawnym Mifune, nie wspominając o nagrodzonym Oscarem uczonym idiocie w Rain Man (1988).
Muszę przyznać, że wszystkie te malutkie, zrytualizowane poboczne wątki skupione wokół czcigodnej łaźni wydawały mi się mozolnie urocze. Stłumiony, praktycznie przywiązany do języka pekińczyk, który potrafi śpiewać z okropną szczerością O Sole Mio tylko wtedy, gdy leje się na niego woda, jest jednym z bardziej nudnych wymysłów wymyślonych, abyśmy czuli się niejasno winni za miliardy ludzi, którzy nie są jeszcze gotowi na premierę. czas. Nie byłem też szczególnie poruszony ani oczarowany starcami, którzy rywalizują ze sobą, ścigając się ze swoimi ulubionymi świerszczami. Ponieważ łaźnia ma zostać rozebrana na centrum handlowe i kilka wieżowców, miłośnicy krykieta lamentują, że ich zwierzęta nie radzą sobie z wysokością. Nie chcę w tym momencie przywoływać zmęczenia współczuciem, ale istnieje limit zmian w życiu, które mogę opłakiwać.
Mimo to wybitny antropolog Lionel Tiger opowiedział się za Prysznicem jako wymownym protestem przeciwko euforii globalnego wolnego handlu w związku z Nową Gospodarką, która spycha tak wielu ludzi w „kapturach, gettach i zaściankach”. Mimo to, mimo dobrych intencji, film wydał mi się śliski i łatwy.
Lekarstwo na homoseksualizm
Jamie Babbit’s But I’m a Cheerleader ze scenariusza Briana Wayne’a Petersona, oparty na opowiadaniu pani Babbit, jest opisany w notatkach produkcyjnych jako cukierkowa satyra na absurd „leczenia” homoseksualizmu. Humanistyczne założenie filmu jest do zaakceptowania, ale jaki rodzaj widzów uważa ten stopień karykatury i stereotypów za zabawny? I nawet jako nieszkodliwy obóz nie jest tak dobrze skonstruowany, jak powinien.
Megan z Natashy Lyonne gra popularną cheerleaderkę z dobrymi ocenami i kapitanem drużyny piłkarskiej jako chłopakiem. Niemniej jednak złowieszczy, ale w tytule sugeruje, że Megan żyje w raju głupców. Z jakiego innego powodu jej myśl miałaby błysnąć na sportowe staniki i wyeksponowaną bieliznę jej żywiołowych kolegów, kiedy znosi jeden z śliniących się, niefachowych pocałunków jej chłopaka. I dlaczego trzyma dziewczyny w swojej szafce? Z tego samego powodu, jak sądzę, Sal Mineo trzymał w swojej szafce pinup z nagim torsem Alana Ladda w bardziej podtekstowych czasach Buntownika bez przyczyny Nicholasa Raya (1955), z Jamesem Deanem i Natalie Wood wymachujących sztandarem sentymentalna heteroseksualność.
Zanim Megan wie, co ją uderzyło, zostaje zdemaskowana jako lesbijka i zabrana do obozu homo-odwykowego o nazwie Prawdziwe Kierunki, któremu przewodniczy rzekomo heteroseksualna domina o imieniu (z podejrzaną obojętnością) Mary Brown i grana przez Cathy Moriarty bez śladu złośliwa ironia. Komendantem obozu dla mężczyzn jest zreformowany wesoły imieniem Mike, grany przez słynnego transwestytę RuPaula Charlesa. Tak więc od samego początku mamy sygnał, że Megan nie jest przypadkiem seksualnym Dreyfusa, w którym próbuje udowodnić swoją niewinność wobec zarzutu lesbijstwa. Zamiast tego, gdy poznaje Grahama z Clei DuVall, oszołomiona Megan zaczyna rozkoszować się i radować ze swojego winy z jedynymi szczerze erotycznymi scenami seksu w filmie. Reszta to wygięte pozy i głupie symulacje, z Mary Brown pod ręką, by ośmieszyć heteroseksualną grę wstępną jako materiał dla maminsynków. Egzamin końcowy na obozie odwykowym to studium z idiotyzmu pozbawionego poczucia humoru.
Więcej lat temu, niż pamiętam, napisałem lekko homofobiczny artykuł w The Village Voice zatytułowany Heteros Have Problems, Too i myślałem, że nigdy nie usłyszę jego końca. Narzekałem na to, co wtedy postrzegałem jako ekscesy gejowskiego użalania się nad sobą. To było na długo przed nadejściem AIDS, które na zawsze zmieniło podstawowe zasady takich dyskusji. Dziś jestem dużo starszy i nie aż tak dużo mądrzejszy w tym temacie. Rzeczywiście, przez lata spotkałem tak wielu zniewieściałych heteroseksualistów i tak wielu umięśnionych homoseksualistów, że przestałem zakładać, że mogę odróżnić.
Ale kiedy gejowskie i lesbijskie przywiązania stają się coraz bardziej powszechne i mniej egzotyczne na ekranie i poza nim, stare czynniki władzy ponownie wchodzą w grę jako kłopotliwe przeszkody dla powszechnego szczęścia. Hetero czy wesoły, Megan i Graham są wystarczająco atrakcyjni, by wybierać. Jednak nic nie jest łatwe, a już na pewno nie wszystkie powinowactwa do wyboru. Dlatego stare narracje nigdy nie umierają.
