Nazwanie koncertu, zwłaszcza śpiewaka pieśni religijnych, to rewelacja nie do opisania. Jednak nie ma lepszego terminu, który można by opisać, kiedy pierwszy raz zobaczyłem nieżyjącego już Nusrata Fateha Ali Khana.
W swojej rozkwicie, pakistański piosenkarz qawwali był jednym z najbardziej pełnych pasji i wyobraźni wokalistów swoich czasów, a tej nocy w październiku 1992 roku w Sanders Theatre w Cambridge, Mass., z pełnym gardłem śpiewał swoją suficką muzykę nabożną. Celem Qawwali jest przybliżenie ludzi do Boga, a słysząc, jak pan Khan wykrzykuje szaleńczo opieszałe słowa z rytmicznym talentem, który chcesz mi żartować, było jasne, że ma miejsce jakaś transcendencja . Niektórzy ludzie byli tak podekscytowani, że uruchomili alarm przeciwpożarowy i trzeba było ewakuować budynek. Minęła prawie godzina, zanim wpuszczono nas do środka, ale w międzyczasie nikt nie wrócił do domu.
Widziałem pana Khana na koncercie jeszcze dwa razy, w Town Hall w 1995 – gdzie siedziałem obok wściekłego fana Jeffa Buckleya – i w Radio City w 1996. Na tym późniejszym koncercie było jasne, że coś jest nie tak. Pan Khan był teraz tak ciężki, że potrzebował pomocy na scenie. Jego występ, choć pełen geniuszu, był stosunkowo stonowany. W ciągu roku jego nerki zachorowały na długotrwałą cukrzycę. Miał 49 lat.
Krótko przed śmiercią pan Khan wszedł do studia wraz z producentem Rickiem Rubinem, aby nagrać osiem utworów, które właśnie zostały wydane jako zestaw dwupłytowy, The Final Studio Recordings (American/Legacy). Pan Rubin może wydawać się dziwnym wyborem na album qawwali, ale jego ostatnia praca z Johnnym Cashem pokazuje, że powstrzymuje się od rozcieńczania tradycyjnej muzyki. Dźwięk jest tu wyraźny, a tabla i fisharmonia – jedyne instrumenty poza głosem – są napompowane wysoko w miksie, aby lepiej usłyszeć, jak delikatnie cieniują każdą modulację improwizowanych lotów wokalisty.
Z kilkoma wysublimowanymi wyjątkami, Pan Khan odpoczywa przez większość pierwszej płyty, pozostawiając większą część fajerwerków wokalnych swojemu młodszemu bratu, Farroukhowi Fateh Ali Khanowi, i jego bratankowi, Rahatowi Nusratowi Fateh Ali Khanowi. (Zgodnie z rodzinną tradycją, pan Khan nazwał już Rahata swoim następcą. Właśnie wydał swój znakomity album, również w Ameryce i wyprodukowany przez pana Rubina; wystąpi w Bowery Ballroom 13 czerwca) Na drugiej płycie Mr. Khan wydaje się rozgrzewać do swojego zadania, wystrzeliwując rundy śmiałych scatów, gdy refren za nim nabiera coraz większego żaru. To cudowna rzecz, ale dotarcie do niej zajmuje trochę czasu.
Pan Khan spisywał się najlepiej, gdy dociskał swój chrapliwy, uduchowiony głos do granic wytrzymałości i poza nią, ale zanim nagrał te utwory, był zbyt chory, by robić to konsekwentnie. Nowicjusze w twórczości tego niezwykłego człowieka powinni najpierw znaleźć Shahen-Shah , jego debiut z 1989 roku w Real World, lub którykolwiek z pięciu krążków En Concert à Paris na Ocora. W przeciwieństwie do po prostu bardzo dobrych Final Studio Recordings, te albumy zawierają muzykę, która wywołuje alarm przeciwpożarowy.
– Mac Randall
Białe paski: Great White Mopes
Musi być coś w Schlitz. Środkowy Zachód od lat 50-tych wypompowuje samochody, zboże i niebezpieczne chemikalia, a także zboże za zbiorem sianokiszonki o kleistej powierzchni. To także obszar kraju, który najmocniej przylgnął do zuchwałej, ziarnistej formy białej skały – bez względu na to, że większość wykonawców była po angielsku. Na początku lat siedemdziesiątych wszyscy przyzwyczaili się do długiej imprezy gazowej, która jeszcze się nie skończyła. MC5. Pachołki. Neila Younga. Czarny Sabat. Lista jest długa, a większość żywych trupów wciąż jest w drodze.
Nadszedł więc czas, abyśmy mieli nową reinkarnację, która podsyci serca i umysły naszej wygłodniałej kulturowo młodzieży. Przy całej Velveeta, którą wyprodukował Środkowy Zachód, czasami pojawia się wyśmienity Limburger – surowy, ostry, trochę niechlujny. To są białe paski.
Od czasu ich radosnej prezentacji na South by Southwest Music Festival w Austin w marcu, ten brat-siostra duet z Detroit został wysunięty na czoło nowego garażowego rockowego trendu. Czy rock garażowy będzie kolejną wielką rzeczą w muzyce? - zastanawiało się ostatnio w Entertainment Weekly. Och przestań. Wszyscy słyszeli o ptaku. Najważniejszą rzeczą, jaką możesz powiedzieć o garażowym rocku, jest to, że nigdy nie było w nim nic nowego; zawsze upajał się drobnym, okrojonym, bluesowym skronkiem. Wokalista Jack White, który gra na gitarze i pianinie, podczas gdy jego starsza siostra Meg wali w bębny jak Sasquatch, zdaje się mieć to w kościach.
Oprócz modnego upodobania do ubierania się tylko w biel lub czerwień i przywoływania uświęconych imion Blind Willie McTell i Loretta Lynn, The White Stripes pojawiają się na swoim trzecim albumie, White Blood Cells (Sympathy for the Record Industry), odświeżająco surowe. powiew Buzzcocks tutaj (Zakochany w dziewczynie), vintage beczenie Iggy'ego Stooge'a (Expecting) i jedne z najlepszych riffów Crunge, odkąd Jimmy Page wciąż kontrolował swoje wnętrzności. I robią to bez projekcji tego zmęczonego scuzz-rocka emanującego od pana Bluesa Punk His, Jona Spencera.
Cóż, przepraszam / Ale nie interesują mnie kopalnie złota, szyby naftowe, żegluga ani nieruchomości, głosi Jack White (choć za pomocą tekstów zaczerpniętych z Citizen Kane) podczas przerywnika w The Union Forever. Kim chciałbym być? / Wszystko, czego nienawidzisz. The White Stripes brzmią tak, jakby ich marzenia jeszcze nie zostały zmiażdżone, a to świetny sposób na przejście przez życie.
–Jay Stowe
The White Stripes zagrają w Bowery Ballroom 16-17 czerwca, a Mercury Lounge 18 czerwca.
Ron Sexsmith: Mały chłopiec, niebieski?
W filmach zdarza się to cały czas: poeta o łagodnym sercu zakochuje się w buntowniku o mrocznej duszy i zanim zdążysz powiedzieć Sal Mineo, mały baranek kręci się po swoim rodzinnym mieście w skórzanej kurtce, śmierdząc bourbonem i tani nihilizm. Zanim skończysz popcorn, on nie żyje – symbol utraconej niewinności lub coś takiego.
Ten scenariusz przyszedł mi do głowy, gdy zobaczyłem, że mroczny książę Nashville, Steve Earle, wyprodukował dziecięcy bard z Ontario, Rona Sexsmitha z nowego albumu, Blue Boy (Spinart). Właściwie moją pierwszą reakcją było: intrygujące połączenie. Jeśli chodzi o piosenkarzy i autorów piosenek, pan Earle i pan Sexsmith są jednymi z najlepszych, jakich mamy, facetami, którzy konsekwentnie tworzą czterominutowe światy, które wydają się równie żywe emocjonalnie, jak ten, który rozgrywa się za drzwiami naszego mieszkania.
Wtedy przypomniałem sobie, że ci mężczyźni mają znacząco różne światopoglądy. Pan Earle jest pragmatykiem – jego ostatni album zawierał uroczą piosenkę zatytułowaną I Don’t Wanna Lose You Yet – podczas gdy pan Sexsmith pozostaje optymistą, nawet gdy ginie w cieniu. O ile wiem / The dark also / Nosi cienko zawoalowane przebranie, zaśpiewał na swoim znakomitym drugim albumie, Other Songs.
Dobrą wiadomością jest to, że pan Sexsmith nie pociąga Mineo na Blue Boy. Pan Earle wciąga swoją miłość do warstwowej psychodelii Beatlesów, reggae i werbli i daje panu Sexsmithowi muzycznego kopa w spodnie. Chociaż album ma swoje złowrogie momenty (posłuchaj Przypowieści, w której biedny przegrany zastanawia się: A jeśli ten zły zwycięzca / Czy miałby mały wypadek?), zwycięża prostoduszny romantyzm pana Sexsmitha.
Tę walkę między ciemnością a światłem można odnaleźć już w pierwszym utworze, This Song. Głosem, który brzmi jak gładka hybryda Van Morrisona i Cheta Bakera, pan Sexsmith śpiewa o sprowadzeniu kruchej piosenki na ten świat, pytając wielokrotnie: Jak ta piosenka może przetrwać? Ale deklaruje też: Nigdy nie zostawię tej piosenki w spokoju / Zatrzymam ją / Bezpieczna i ciepła / Bo nienawiść jest silna / A ciemność kwitnie.
Nie każda piosenka na Blue Boy to klejnot. Żałobna linia organów i gitar w Cheap Hotelu brzmi świetnie, ale tekst o kobiecie uciekającej od swojego agresywnego męża jest słaby. Ale nie ma prawdziwych gruzów. Pan Sexsmith kontynuuje pakowanie swoich pięknych, prostych tekstów z małymi niespodziankami. Na przykład na Fallen używa obrazu jesiennych liści, aby symbolizować nie przewidywalne widmo śmierci, ale intensywną miłość: A liście straciły moc / Gałęzi jak zawsze / Co pozostawia nam złoto / I koloru wina ścieżki / W ten sam sposób zakochałem się w tobie.
Są chwile – takie jak Don’t Ask Why i Just My Heart Talkin’ – kiedy muzyka brzmi tak bardzo jak Mr. Earle’a, że można się spodziewać, że usłyszysz jego znużony światem głos ponad brzęczącymi gitarami. Potem pojawia się pan Sexsmith i sprawia, że wierzysz, że optymiści mogą działać w niebezpiecznym świecie.
- Frank DiGiacomo
