Kiedy obecny, głupi sezon dobiegnie końca, Arnold Schwarzenegger może wygrać z pektoralnym college'em, ale Kevin Costner zdobędzie powszechne głosowanie. Jego wspaniały nowy film „Open Range” to rodzaj filmu, który uszczęśliwi prawie wszystkich. Jeśli filmy kowbojskie są passé, to dlatego, że wszystkie wyglądają i brzmią podobnie. Ale raz na niebieskim księżycu pojawia się jeden – jak „Unforgiven” Clinta Eastwooda – który sprawia, że siedzisz, zauważasz i marzysz o Johnie Fordzie, Williamie Wylerze i Buddzie Boetticherze. Open Season to właśnie tego rodzaju film: soczysty western oparty na postaciach, z prawdziwą fabułą, która opowiada hipnotyczną narrację, postacie, które przeczą stereotypom i sprawią, że będziesz się troszczyć o to, jak to wszystko wyjdzie, wystarczająco dużo broni i przemocy, by przypomnieć, że nie jesteś w Disney World i wspaniałe, przewiewne zdjęcia, które sprawiają, że świat wygląda, jakby był na ciągłych wakacjach. A potem masz Kevina Costnera i Roberta Duvalla jako dwóch sympatycznych, poobijanych włóczęgów, którzy biorą udział w całym mieście, aby pomścić morderstwo niewinnego przyjaciela i uratować bydło przed skorumpowanym stróżem prawa i bezprawnym złodziejaszkiem. Wyobraź sobie Gary'ego Coopera i Joela McCreę z poświatą wokół nich w formacie panoramicznym i technikolorze. Jeśli chodzi o filmy, ten może być prawdziwą przyjemnością dla prawie wszystkich oprócz krytyków. Szczerze mówiąc, nie daje zbyt wiele powodów do narzekania.
Boss (pan Duvall) i Charley (pan Costner) są ostatnimi z kowbojów z wolnego wybiegu - umierającą rasą zrogowaciałych kowbojów na spędzie bydła, którzy nienawidzą ogrodzeń, torów kolejowych i wszelkich oznak wdzierania się na to, co kiedyś było szerokie. -otwarte przestrzenie pogranicza amerykańskiego. Chociaż są partnerami na szlaku od 10 lat, obaj mężczyźni mają w przeszłości tajemnice, których nigdy nikomu nie wyjawili, w tym sobie nawzajem. Boss jest także rodzajem przybranego ojca dla pozostałych dwóch członków ich załogi – Mose (Abraham Benrubi), potężnego łapa z mocą wołu i umysłem dziecka oraz osieroconego meksykańskiego nastolatka, którego nazywają Button (Diego Luna). ). Kiedy pies Mose i Charley zostaje zabity, a Button zostaje poważnie ranny i porwany przez podłego ranczera Dentona Baxtera (kolejny niezapomniany wpis w jego galerii portretów złoczyńców przez zastraszającego brytyjskiego aktora Michaela Gambona), który wykorzystuje swoją nienawiść do wolności - wypasanie bydła przechodzącego przez jego granice terytorialne jako przykrywka dla jego prawdziwych planów kradzieży ich stada, Boss i Charley najeżdżają pobliskie miasto, gdzie lokalni obywatele padają ofiarą Baxtera i tchórzliwego szeryfa (James Russo). Gdy życie chłopca waży się na włosku, nie ma czasu na telefonowanie do szeryfa federalnego i nadchodzi potężna burza, Boss i Charley utknęli we wrogim mieście tylko z siostrą doktora (Annette Bening, bez odrobiny makijażu, w jednym z nich). najbardziej atrakcyjne role), aby pomóc. Ostateczna rozgrywka w salonie i nieuniknione OK. Strzelanina w Corral przypominająca samo południe utrzymuje tempo skoncentrowane w lufach broni bez większego zaskoczenia, ale siła pana Costnera jako reżysera polega na tym, jak równoważy gwałtowne sekwencje akcji z rodzajem introspektywnej analizy postaci, która utrzymuje zainteresowanie publiczności i zaniepokojony. Scenariusz Craiga Storpera, oparty na powieści Lauran Paine, The Open Range Men , daje wszystkim uczestnikom mnóstwo czasu na rozwój i przestrzeń do poruszania się. Boss trafił na trop po śmierci żony, a Button jest jego synem nigdy nie miał; Charley żyje w poczuciu winy, odkąd zabił mężczyznę jako nastolatka i zajął się karierą rewolwerowca, zanim znalazł wewnętrzny spokój na otwartym terenie. Planując po burzy zemstę na złodziejach bydła, podczas gdy całe miasto ucieka, zniechęcający, zagrażający życiu kryzys Bossa i Charleya zmusza ich do dzielenia się swoimi wewnętrznymi myślami w chwilach przeszywającej intymności. Nawet gdy są zmuszeni do oparcia się na mądrości swoich pięści i swoich Winchesterów, nigdy nie tracą poczucia człowieczeństwa i fair play. To może być najlepszy przykład męskiej więzi od czasów Butcha i Sundance. W przeciwieństwie do starych stereotypów granych przez Jimmy'ego Stewarta w butach, są oni niechętnymi bohaterami, brodawkami i tak dalej. Film z błota i krwi to przede wszystkim historia miłosna między tymi dwoma mężczyznami, między Charleyem a pionierką, której uczy się ufać. To rodzaj ruchu, który sprawia, że dorośli mężczyźni płaczą.
Jest też humor, gdy patrzę, jak te dwie napalone ropuchy próbują wsadzić swoje tłuste, brudne palce przez odpowiednie porcelanowe filiżanki do herbaty Annette Bening, albo pan Duvall rozkoszuje się słodyczą marząc o drogim patyczku czekolady ze Szwajcarii, Europy, i dobre kubańskie cygaro. Z własnym zmysłem konia i specyficznym kodeksem etycznym jest idealnym odpowiednikiem pana Costnera, którego wewnętrzna wściekłość skrywa przyzwoite serce. Zawsze myślałem, że ten bardzo współczesny filmowiec jest lepszym graczem w baseball niż kowbojem, ale sposób, w jaki nosi poobijany kapelusz jak bliznę i pluje między szczeliną w dwóch przednich zębach, zawstydza człowieka z Marlboro. Bez względu na to, co myślisz o jego filmach – a miał kilka klap tak głośnych, że brzmiały jak bombardowanie Hiroszimy – musisz przyznać, że jego pasja do filmów zawsze jest widoczna. Dba o to, jak wyglądają, jak grają przed publicznością, co mają do powiedzenia na papierze i na celuloidzie. Wykazuje wrażliwość na innych aktorów i świetne wyczucie kompozycji: dwa konie z trudem przeprawiają się przez rzekę w zapierającym dech w piersiach długim ujęciu. Stado bydła przedzierającego się przez pole dzwonków. Droga Mleczna z punktu widzenia człowieka śpiącego na siodle. Dumny, milczący wyraz twarzy mieszkańców, jako całemu miastu, odzyskuje godność. Costner wie więcej niż większość reżyserów, jak sprawić, by film przemawiał przez obiektyw kamery, a znakomity operator James Muro jest idealnym współpracownikiem. Testem każdego naprawdę dobrego filmu jest to, jak dobrze przenosi widza poza ekran do jego własnej wizji estetycznej. Dzięki Open Range Mr. Costner sprawia, że Kanada wygląda jak Montana i wszyscy czujemy się, jakbyśmy jechali na zachód z wozami w 1882 roku. Żadnych papierowych księżyców na płóciennym niebie. A za każdym indyjskim znakiem kryje się niebezpieczeństwo.
Ludzie wydają się lubić to, co robi pan Costner. Od czasów Tańców z wilkami i Bykiem Durham łatwo jest pospieszyć się z osądem. Ciągle mam ule, kiedy myślę o Waterworld, ale nawet ta krytyczna masakra przyniosła zysk. Open Range został stworzony z myślą o skromniejszym budżecie 23 milionów dolarów i liczbach, aby stać się coraz bardziej popularnym sukcesem kasowym. Trochę mnie to wszystko wkurza. Szczerze mówiąc, miałem już to za sobą z filmami o technologii komputerowej, zespołach punk-rockowych i nastolatkach z pryszczami na twarzach, którzy próbują się zaliczyć. Mój własny, zmęczony światem Stetson wyrusza do Kevina Costnera i Open Range, rzadkiej sagi o bydlęcej pędzie z mile widzianą wartością, uczciwością, inteligencją i staromodnym kunsztem filmowym, z którego desperacko moglibyśmy korzystać więcej.
Nastoletnie Pustkowie
Jadąc na bardzo potrzebne wakacje, wyjeżdżam z kilkoma pożegnalnymi słowami na dwóch kolejnych filmach, które możesz chcieć zobaczyć w ciągu najbliższych kilku tygodni. Evan Rachel Wood jest niesamowitą aktorką o nieocenionej dojrzałości z patrycjuszkową urodą Grace Kelly i emocjonalną głębią Garbo, który – jak chciałby los, opatrzność i hollywoodzkie zamieszanie – po prostu jest chwilowo uwięziony w ciele trzynastki. -letnie dziecko. Stała się moim winnym nałogiem podczas olśniewającego występu w moim ulubionym, nieistniejącym już serialu telewizyjnym Raz i ponownie, i dokonała tego rodzaju małych wtargnięć w filmy fabularne, które kilka lat temu były oferowane dorosłej Reese Witherspoon. Może się to zmienić 20 sierpnia, kiedy tłumy rzucą okiem na Trzynastkę, ponure i wstrząsające spojrzenie na niekontrolowanych miejskich nastolatków, którzy na krótko zatrzymują się w pobliżu ciebie w drodze do piekła.
Reżyserka debiutująca po raz pierwszy, Catherine Hardwicke, opowiada o niepokoju i gniewie nastolatków walczących o władzę i popularność w szybkowarze o nazwie Girl Culture – niebezpiecznej i autodestrukcyjnej subkulturze napędzanej chłodnymi, abstrakcyjnymi eksperymentami z seksem, narkotykami, piercingiem ciała i przestępczością . Pani Wood gra Tracy, normalną, inteligentną dziewczynkę z warkoczykami, która po rozpoczęciu gimnazjum zostawia swoje pluszowe misie i lalki Barbie. Zmuszona do naśladowania najszybszej dziewczyny w szkole, przegranej sprawy o imieniu Evie (w tej roli Nikki Reed, współautorka scenariusza z reżyserem Hardwicke, opartego na jej własnych prawdziwych doświadczeniach ze sceny Girl Culture). Zdesperowana Tracy staje się anorektyczką, wciąga kokainę, kradnie portfele, przebija język i pępek oraz okalecza swoje ciało nożyczkami, igłami i żyletkami, tuż pod nosem własnej matki, palącej łańcuchem papierosów, zdrowiejącej alkoholiczki, która jest zbyt zajęty, by to zauważyć. Samotna matka, grana przez Holly Hunter z gotycką dziwactwem umierającego wampira, już dzieli swój dom ze strzelbą z mieszkającą na stałe kochanką koki i najlepszą przyjaciółką, której matka jest dziwką. Ponieważ jej środowisko domowe jest już wypełnione ludźmi, którzy są o krok od więzienia, nic dziwnego, że Tracy kończy w trójkącie doskonaląc swoją technikę seksu oralnego i przechodzi od czystych piątki do oblania siódmej klasy. To druga strona księżyca od Peggy Ann Garner w Junior Miss.
Trzynaście to nowe spojrzenie na dysfunkcjonalno-rodzinny film gatunkowy. Tym razem rodzina jest w stanie zawieszonej psychozy. Nie mam pojęcia, co to wszystko znaczy. Nie jestem rodzicem, więc wyznaję, że jestem w błogiej ignorancji i nie mam kontaktu z tematem niekontrolowanej histerii nastolatków. Wzdrygam się na myśl, że ta ponura rozpacz jest prawdziwa, ale powiedziano mi, że nie odnosi się ona nawet do połowy horroru dzisiejszej nastoletniej strefy zmierzchu przez cierpliwych rodziców współczesnych amerykańskich dzieci z kartami kredytowymi i szalejącymi hormonami, przestępcy w Buntowniku bez powodu wydają się być ilustracjami w komiksach Archiego i Veroniki. To musi być irytująco niewygodne, aby utalentowany talent, taki jak Evan Rachel Wood, został zdegradowany do ról 13-letnich, które nie są ładne w różu. Nadal jest cudem jako spadająca spirala Tracy i jedynym powodem, dla którego mogę wymyślić, aby cierpieć z powodu graficznego sadyzmu tego filmu. Gdy Tracy nieuchronnie psuje się, kolor wypłukuje się z filmu w stanie anemii bardzo podobnym do jej własnego. Podatność pani Wood łączy odbitkę z jedyną życiową siłą, ale jej kobaltowoniebieskie oczy bledną, a film staje się pretensjonalnie czarno-biały. Każdy w nim potrzebuje transfuzji krwi, a zanim to się skończy, ty też.
Prawdziwa sprawa
Passionada (otwarcie 15 sierpnia) to urocza i luksusowa romantyczna przerywnik, starannie skonstruowana, aby ochłodzić żar tlącego się lata i energicznie utorować drogę do pełnych nadziei zmian jesieni. Akcja rozgrywa się w portugalskiej społeczności rybackiej w New Bedford w stanie Massachusetts i śledzi losy trzech pokoleń kobiet z rodziny Amonte, których mężowie, ojcowie i synowie zaginęli na morzu na statku o nazwie Azorski błękit. Babcia Angelica (wspaniały Lupe Ontiveros) jest pragmatyczną matriarchą, która nie chce, aby jej wdowa córka marnowała życie, żyjąc wspomnieniami z przeszłości. Córka Celia (Sofia Milos, która gra detektywa w CSI: Miami) to pogrążona w żalu wdowa, nawiedzana przez morze i wiecznie oddana zmarłemu mężowi, śpiewająca piosenki miłosne w kabarecie, ale unikająca uwagi wszystkich mężczyzn w mieście. Córka Celii, Vicky (urocza Emmy Rossum, piosenkarka Metropolitan Opera, która grała młodą Audrey Hepburn w biografii ABC The Audrey Hepburn Story) ubolewa nad tradycjami Starego Świata i próbuje umówić mamie randki w Internecie. W ich życie wkracza Charlie Beck (Jason Isaacs), zawodowy brytyjski hazardzista, któremu zakazano wstępu do amerykańskich kasyn za liczenie kart. Vicky obiecuje mu randkę z mamą, jeśli nauczy ją wszystkich sztuczek przy stołach do gry. Tak zaczyna się wyrafinowane, haniebne uwodzenie oparte całkowicie na kłamstwach, ale znacznie wzmocnione świeżymi dialogami, solidnymi występami i realistycznym reżyserem utalentowanego Dana Irelanda, który wywarł niezatarty ślad w The Whole Wide World , niedocenianym filmie, który przyniósł również Renée Zellweger do wyeksponowania.
Historia się powtarza, bo najlepszą rzeczą w Passionadzie (tytuł wywodzący się z tradycyjnej portugalskiej muzyki zwanej fado) jest Jason Isaacs. To szykowny aktor, który ukradł Patriotę spod władzy Mela Gibsona jako brytyjskiego fanatyka wojskowego, który ścigał bohatera pana Gibsona przez całą rewolucję amerykańską i którego niezapomniane CV przystojnych złoczyńców zawiera teraz mrocznego i złowrogiego Lucjusza Malfoya w serialu o Harrym Potterze. . W swojej pierwszej współczesnej romantycznej roli głównej jest tak wyjątkowy i charyzmatyczny, jak młody Cary Grant sprzed 60 lat. Pod fałszywym pretekstem wdziera się do kobiecego serca, a następnie z pasją udowodnienia, że jest godny jej zaufania jako sportowiec podopieczny w drodze na swoje pierwsze zawody olimpijskie, jest spektakularnie pociągający. Jason Isaacs to prawdziwa okazja. Dlaczego nie jest już wielką gwiazdą?
