Pablo Picasso, Koza , Vallauris, 1950 (odlew 1952). (Zdjęcie: © 2015 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork) Nawet najbardziej zagorzali i znający się na rzeczy miłośnicy Picassa czekają na niespodzianki w rzeźbie Picassa. Rozległa, jesienna wystawa Muzeum Sztuki Nowoczesnej, która potrwa do 7 lutego 2016 roku, jest najbardziej wszechstronną amerykańską wystawą rzeźb Picassa od czasu wystawy w MoMA z 1967 roku.
Od tego czasu nastąpiły zmiany sejsmiczne na świecie iw sztuce. Picasso odszedł, ale jego pośmiertna reputacja ogromnie wzrosła, szczególnie w dziedzinie rzeźby. Ta przełomowa wystawa około 140 dzieł, z których niektóre nigdy wcześniej nie były pokazywane w tym kraju, bez wątpienia znacznie wzbogaci jego dziedzictwo.
Za życia Pablo Picasso (1881-1973) rzadko pokazywał swoje prace 3D. Według niektórych ekspertów albo uważał, że są zbyt osobiste, albo był niepewny ich znaczenia w stosunku do jego obrazów. Z pewnością nie było powodu do obaw. Jak widać w tym odkrywczym pokazie, konceptualna rozpiętość i zakres jego prac 3D jest przynajmniej na równi z jego przełomowymi osiągnięciami w malarstwie. Kieliszek absyntu (1914). (Zdjęcie: © 2015 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork)
Po śmierci Picassa w wieku 91 lat, jego majątek zaczął przekazywać rzeźby różnym publicznym instytucjom artystycznym, przede wszystkim w celu wyrównania ogromnych podatków spadkowych należnych rządowi francuskiemu. W miarę jak coraz więcej rzeźb w końcu pojawiło się na widoku publicznym, stała się oczywista wyjątkowa inwencja, czyste piękno i moc. Wśród głównych beneficjentów tych darów, często rozdawanych przez wdowę po Picasie, Jacqueline, znalazły się MoMA i Musée National Picasso-Paris, które współpracowały przy obecnej wystawie, współorganizowanej przez kuratorki MoMA Ann Temkin i Anne Umland.
Podczas gdy Picasso prawie nigdy nie wypożyczał swoich rzeźbiarskich dzieł galeriom czy muzeom na wystawy, nie mówiąc już o oferowaniu ich na sprzedaż, bardzo się o nie troszczył. Trzymał je pod ręką, jak zwierzęta domowe. Z tego powodu wiele jego eksperymentów ze sztuką trójwymiarową było dobrze znanych przyjaciołom, artystom, kolegom i powiernikom — rzeźbiarzom Alberto Giacometti, kiedyś współpracownikowi Julio Gonzálezowi, a także fotografowi Brassaïowi — którzy widzieli prace w domu Picassa lub studio. Fotografie rzeźb Brassaï w pracowni Picassa wypełniają jedną z bocznych galerii wystawy.
Z wykształcenia malarz, ale jako rzeźbiarz samouk, Picasso wykazywał pewne poczucie dzikiego porzucenia w pracach trójwymiarowych, które czasami przebijały jego najbardziej radykalne eksperymenty w malarstwie. Ponieważ więcej wtajemniczonych dostrzegło te osiągnięcia, elementy Picassoid wkrótce pojawiły się w rzeźbach wielu jego przyjaciół i znajomych artystów. Byka, (1958). (Zdjęcie: © 2015 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork)
Wpływ rzeźby Picassa nadal odczuwa wielu artystów, w tym Jeff Koons. Na otwarciu wystawy Koons powiedział mi, że tak zwany klasyczny okres rzeźby Picassa z wczesnych lat 30. – kiedy stworzył w gipsie serię fantazyjnych portretów swojej ówczesnej kochanki Marie-Thérèse Walter – wpłynął na jego ostatnią serię Gazing Ball. W typowych pracach z cyklu Koons przedstawia niebieską szklaną kulę wkomponowaną w biały gipsowy odlew postaci, zazwyczaj heroicznej lub mitologicznej, zaczerpniętej ze znanych rzeźb grecko-rzymskich.
Koons skomentował, patrząc na Picassa Głowa kobiety, praca powstała w 1932 roku w jego pracowni w Boisgeloup pod Paryżem. Praca jest jednym z najbardziej abstrakcyjnych przykładów z serii Marie-Thérèse. Gipsowa rzeźba o wysokości nieco ponad dwóch stóp przedstawia rysy twarzy kobiety zredukowane do długich, cylindrycznych kształtów i małego, kulistego kształtu. Jest to jedna z głównych atrakcji imponującej galerii. Krzesło (1961). (Zdjęcie: © 2015 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork)
Wykształcony jako malarz, ale samouk jako rzeźbiarz, Pablo Picasso wykazywał pewne poczucie dzikiego porzucenia w pracach trójwymiarowych, które czasami przebijały jego najbardziej radykalne eksperymenty w malarstwie.
Ułożona mniej lub bardziej chronologicznie rzeźba Picassa to oszałamiająca wizualnie wystawa bez etykiet ściennych identyfikujących prace i tylko z kilkoma objaśniającymi tekstami ściennymi obejmującymi różne okresy w karierze artysty. (Jednak kuratorzy udostępniają małą broszurę ilustrowaną zarysami poszczególnych utworów, podając tytuły, daty i pochodzenie.)
W miarę poruszania się po wystawie każda galeria jest bardziej uderzająca niż następna. W pierwszym pomieszczeniu znajdują się najwcześniejsze dzieła Picassa, w tym gliniana figurka Siedząca kobieta (1902), a także małą twarz z brązu Głowa Picadora ze złamanym nosem (1903). Te dość konwencjonalne prace pokazują, że Picasso wchłaniał i opanował figuratywne tradycje XIX-wiecznej rzeźby jeszcze po dwudziestce.
Jego pierwsze prawdziwie eksperymentalne prace inspirowane były częstymi wizytami w muzeach etnograficznych w Paryżu, sięganiem do abstrakcyjnych form i szczerym erotyzmem niezachodnich kultur plemiennych. Mocne drewniane totemy Picassa z lat 1907 i 1908 często przypominają niektóre rzeźby Paula Gauguina, którego prace podziwiał. Wazon: Kobieta (1948). (Zdjęcie: © 2015 Estate of Pablo Picasso/Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork)
Równolegle do swoich kubistycznych przełomów w malarstwie, które opracował wspólnie z Georges Braque, Picasso niezależnie wyprodukował swoje pierwsze prawdziwie radykalne rzeźby, począwszy od 1912 roku. Kluczowe dzieła w stylu kubistycznym obejmują tu płaskorzeźby ścienne Martwa natura z gitarą (1912) i Gitara (1914), odpowiednio z tektury i blachy, oraz rzadko wystawiane reliefy z drewna malowanego w stylu tableaux. Dynamiczna kubistyczna gra przestrzennej głębi w tych pracach pasuje do jego współczesnych prac 2-D.
Jednym z najbardziej znaczących osiągnięć kuratorskich wystawy jest ponowne połączenie wszystkich sześciu serii małych malowanych brązów Picassa, Kieliszek absyntu , nie pokazywane razem od 1914 roku, kiedy zostały wykonane.
W brązach Picasso przedstawia kostki cukru — które były częścią rytuału picia absyntu — różnie pomalowane, niektóre w jasnych kolorach. W każdym projekcie znajduje się również prawdziwa łyżka różnego typu. Pomimo niewielkiej skali serialu, szóstka Kieliszek Absyntu prace stanowią monumentalny przełom we współczesnej rzeźbie.
Tutaj Picasso wprowadza kolor do abstrakcyjnej rzeźby z brązu i zapowiada nadejście asamblażu, jaki znamy dzisiaj. Znalezione przedmioty dodał do pracy jako elementy formalne, z dużą dozą humoru, bez ironii dadaizmu czy antyartystycznych gestów. Arcydzieła obejmują kultowe Głowa Byka (1942), odlew z brązu prawdziwego siodełka rowerowego i kierownicy; i jeden z moich ulubionych, Pawian i młody (1951), który zawiera odlew z brązu samochodzik-zabawkę, przedstawiający rysy twarzy pawiana. Na całej wystawie widać, że wiele z najbardziej innowacyjnych pomysłów rzeźbiarskich Picassa wyrosło z przedmiotów, które odtworzył jako zabawki, którymi bawiły się jego dzieci.
Być może najbardziej ekscytująca przestrzeń poświęcona jest rzeźbom z blachy wykonanym w latach 1954-1964, które zawierają liczne makiety z malowanego metalu, z których kilka było przeznaczonych do wielkoformatowych prac publicznych, takich jak urocze składane metalowe popiersie portretowe Sylwetka (1954), pomysłowe przedstawienie ulubionego modelu Picassa z lat 50. XX wieku. Ta praca została ostatecznie przekształcona w betonowy pomnik, jedną z licznych kolaboracji Picassa z norweskim artystą Carlem Nesjarem. Dzieło zostało zainstalowane w 1968 roku w kompleksie New York University Village/Silver Towers, gdzie stoi do dziś.
Podczas gdy wiele prac w Rzeźbie Picassa ma duże znaczenie historyczne, wystawa oferuje coś więcej niż kompetentną retrospektywę. Pokaz wydaje się żywy i aktualny, ponieważ wśród oszałamiających możliwości i pomysłów na rzeźbę, które Picasso zaproponował przez całą swoją karierę, wiele z nich nie zostało jeszcze w pełni zbadanych i zrealizowanych. Zaocznie Picasso łaskawie zaprasza lub rzuca wyzwanie młodym artystom.
